Just One More Night

Eric Clapton - Clapton (2010)

2011-11-06T14:52:00.001-02:00

Dos muros da Londres dos anos 60 sei que Clapton é Deus, e da noite de 10/10, soube como isso é muito fácil para ele. Com Clapton, lançado em outubro do ano passado, o guitarrista começa a flertar seriamente com o jazz. Ainda somado ao show com a banda do trompetista Wynton Marsalis, que rendeu um álbum ao vivo gravado em 2011 no Lincoln Center em Nova Iorque, são indícios suficientes para acreditar numa guinada jazzística na carreira do SlowHand.
Essa mudança de direção, claro, sem deixar o blues da lado, pode revigorar as apresentações ao vivo, ainda muito concentrada nos anos 70 e 80. Neste álbum, além da escolha do repertório, os músicos convidados tinham o peso de muitos anos no jazz, como o próprio Marsalis e Allen Toussaint. As composições mostram o cuidado e o carinho de Clapton com a obra de músicos como Little Walter, Harry Woods e Walter Jacobs.
A única música deste disco apresentada naquela noite do hsbc arena é When Sombody Thinks You're Wonderful. Clapton não fugiu da tendência dos músicos de sua geração quando tocam na América do Sul, ao apresentar um repertório cheio de clássicos da carreira. Os próximos shows pela Europa e Japão podem trazer surpresas agradáveis a quem gostaria de ver essa aproximação ao jazz tomar maiores proporções. Aos 66 anos, Eric Clapton ainda dá as cartas amparada por uma fantástica banda que conta, na maioria das apresentações, com Chris Stainton, Steve Gadd, Willie Weeks e Tim Carmon.

Faixas:

01. Travellin' Alone

02. Rockin' Chair

03. River Runs Deep

04. Judgement Day

05. How Deep Is The Ocean

06. My Very Good Friend The Milkman

07. Can't Hold You Much Longer

08. That's No Way To Get Along

09. Everything Will Be Alright

10. Diamonds Made From Rain

11. When Somebody Thinks You're Wonderful

12. Hard Times

13. Run Back To Your Side

14. Autum Leaves

Primal Scream - Screamadelica (1991)

2011-11-05T22:57:00.001-02:00

Vou começar agora uma série: COISAS QUE VI EM ALGUM LUGAR POR AÍ.
Em 2010, o Primal Scream iniciou uma jornada ao redor do planeta para comemorar os vinte anos de Screamdelica. Dia 23 de Setembro, exatamente 20 anos depois do lançamento a pérola original, foi a vez do Circo Voador receber o grito primal em uma de suas noite mais inspiradas. O Queremos organizou a movimentação para os fãs da banda bancarem o show e, mesmo com a casa não tão cheia, a banda despejou toda a energia das faixas do álbum para a turma enlouquecida dentro e fora do Circo.
Screamadelica é o último tiro no escuro de uma banda que, em 1991, estava para ser demitida da CREATION RECORDS depois de dois discos mal recebidos pelo público e pela crítica. Para Screamadelica não sair pela culatra, Jimmy Miller foi um dos responsáveis pela produção e mixagem do álbum. Miller, produtor dos Rolling Stones de Beggars Banquet até Goats Head Soup, foi o principal responsável pelo petardo Movin' On Up, muito confundida pelos ouvidos mais desatentos com a pegada de Keith Richards filmadas pelas lentes de JL Godard em 68.
A grande sacada do Primal Scream neste álbum foi a ousada mistura do rock com o dub e a música eletrônica. Slip Inside This House, do 13th Floor Elevators, caiu como uma luva nas pretensões da banda. No álbum original, essa faixa é o termômetro, define os nuances entre as três vertentes que vão variando no decorrer dos 62 minutos de ignorância.
A turnê estreou ano passado no Olympia de Londres, passou pelo festival de Glastonbury e pelo Bestival e chegou consagrada à lona da Lapa, mas sem os telões e o coral. Apesar desses detalhes, a banda não deixou por menos e estourou as caixas em uma hora e meia das mais intensas que já vi no Circo.

Faixas:

01. Movin' On Up

02. Slip Inside This House

03. Don't Fight It, Feel It

04. Higher Than The Sun

05. Inner Flight

06. Come Together

07. Loaded

08. Damaged

09. I'm Comin' Down

10. Higher Than The Sun [A Dub Symphony In Two Parts]

11. Shine Like Stars

Banda:

Bobby Gillespie - lead vocals

Andrew Innes - guitar

Robert Young - guitar, vocals on "Slip Inside This House

"Martin Duffy - keyboards, piano

Henry Olsen - bass, guitar solo on "Damaged"

Phillip "Toby" Tomanov - drums, percussion

Os Paralamas do Sucesso - Selvagem? (1986)

2011-09-17T00:56:00.001-03:00

Nenhuma selvageria aconteceria no RJ se não fosse o Queremos. Essa turma colocou hoje a roda pra girar no sentido dos Paralamas do Sucesso executarem seu terceiro álbum na íntegra em pleno Circo Voador, um palco emblemático para a música desta banda nesta cidade.

Passados três anos do lançamento de Cinema Mudo, dois de O Passo do Lui e um da espetacular apresentação no festival dos Medina, Os Paralamas do Sucesso encontravam-se na posição de ousar ainda mais num álbum de estúdio. Decidiram deixar 'as meninas do Leblon' um pouco de lado para cantar 'as crianças em Teerã' que pedem 'trocados pros vidros fechados'. O amadurecimento da banda também foi sentido na sonoridade, com grooves inspirados do Dub jamaicano, encarnado pelo baixo de Bi Ribeiro.

A mudança veio em boa parte pela pesquisa e interesse dos integrantes da banda em ritmos caribenhos e africanos. O ska jamaicano já era uma influência palpitante, para o dub foi um pulo. Jamari França conta em seu livro Vamo Batê Lata sobre as referências africanas como Fela Kuti e americanas como Run-DMC, além de situar Os Paralamas na tentativa de sair da mesmice do pós-punk (leia-se Jesus & The Mary Chain, U2 e The Smiths, principalmente) ao lado de PiL, Arto Lindsay, Brian Eno e David Byrne, "cada um atirando para um lado".

Essa mudança de direção não agradou a crítica, que se rendeu somente depois de boa parte dos 750 mil exemplares serem vendidos. No meio disso, Hermano Vianna, antropólogo e irmão de Hebert, à época estudante de mestrado, escreveu um "petardo" publicado no finado e glorioso Caderno B, do JB, refutando as críticas ao álbum da banda. (O texto está reproduzido inteiro ali embaixo)

O disco alçou Os Paralamas a um novo patamar na música brasileira e sulamericana. Os argentinos ainda hoje tem este disco como um dos mais bem aceitos de uma banda brasileira, Fito Paez que o diga.

Banda:

Bi Ribeiro

João Barone

Hebert Vianna

Faixas:

"Alagados" (Bi Ribeiro, João Barone, Herbert Vianna)
"Teerã" (Bi Ribeiro, João Barone, Herbert Vianna)
"A novidade" (Bi Ribeiro, João Barone, Gilberto Gil, Herbert Vianna)
"Melô do marinheiro" (Bi Ribeiro, João Barone)
"Marujo Dub" (Bi Ribeiro, João Barone)
"Selvagem" (Bi Ribeiro, João Barone, Herbert Vianna)
"A dama e o vagabundo" (Bi Ribeiro, Herbert Vianna)
"There's a party" (Herbert Vianna)
"O homem" (Bi Ribeiro, Herbert Vianna)
"Você" (Tim Maia)

O papo furado dos ingleses
Hermano Vianna

De repente, o FM brasileiro foi invadido por grupos ingleses e similares nacionais. Impossível ligar o rádio sem escutar Smiths, Cure ou o melodramático U2, bandas que, até alguns meses atrás, eram conhecidas apenas pela pseudovanguarda juvenil de nossas grandes cidades. Vitória da qualidade sobre o descartável? Finalmente os tão esperados biscoitos finos para a massa? Nem tanto. Quem acompanha, com o mínimo de seriedade, a trajetória do pop nos anos 80 sabe que os músicos britânicos vivem atualmente uma descarada falta de criatividade. Não bastam as poses entediadas, as roupas elegantes, os esquisitos cortes de cabelo ou desesperado esforço de jornais ingleses (e brasileiros) para nos empurrar grupinhos como Jesus and Mary Chain, Cult e comparsas. O rock britânico se contenta com repetições inaturáveis de clichês pós punks que nos são vendidos como se fossem o máximo da novidade. E muita gente boa cai nesse papo furado.

É certo: há anos a vitalidade habita outras praias. A música negra internacional vive um de seus períodos mais efervescentes. Do comercial (Aretha Franklin, Tim Maia) ao esotérico (Kassav, Trouble Funk): esta é a trilha sonora deste fim de século. E são esses músicos que estão sendo banidos do nosso dial (ou empurrados para o gueto dos programas especializados, como o excelente 104 Music Show da Rádio Tropical) em favor do predomínio da “nova onda” britânica. Mas alguns índices, como a votação do grupo Obina Shok entre os melhores de 85 e o sucesso da festa Funk’n`Reggae organizada por Maurício Valladares, já demonstram a formação de linhas de resistência contra a pasmaceira dark (no mau sentido).

Existem indicios até bem mais poderosos. Para encontrá-los basta fazer uma visita a qualquer um dos bailes que incendeiam o subúrbio do Rio durante os fins de semana. Ou melhor: ir direto, nas sextas-feiras, à quadra de samba da escola Estácio de Sá. É a festa mais empolgante e radical das noites cariocas. A música é violentíssima, nada que toque em nossas FMs de sucesso, um som absurdamente desconhecido na Zona Sul. Mas a massa, milhares de pessoas, faz até letras pornográficas para os “balanços” de maior popularidade. Não sei onde as equipes de som conseguem esses discos: os bailes cariocas estão atualizados com o que de mais novo é lançado pelas gravadoras independentes do Bronx nova-iorquino, berço do funk eletrônico. São nomes como Run-DMC, Fat Boys, Dana Dane, Afrika Bambaataa. Os DJs cariocas já se transformaram nas estrelas dos bailes. Suas mixagens são impecáveis e muito deles se arriscam a arranhar os discos, repetir batidas, construindo novas músicas ao vivo. Na quadra dominam os grupos de dançarinos, passos complicados repetidos por até mais de 20 pessoas, requebrados extremamente sensuais.

Se a negritude carioca sempre foi ligada na agressividade da música de Nova York, os negros baianos parecem ter preferência por ritmos mais tropicais, mais dengosos. O reggae já é parte integrante do carnaval de Salvador. Mas, em 86, quem dominou a folia foi o deboche, novo ritmo e nova dança da massa baiana, puxada pelas vozes de Luís Caldas e Sarajane. A música é uma grande salada: afoxé, reggae, algo de calipso. Muitos outros ritmos podem ser descobertos a qualquer momento: a Soca de Trinidad e Tobago (grupos como Black Stallion e Arrow), o som inrotulável dos grupos de Guadalupe (a banda - atentado Kassav), os Soukous dos países africanos de língua francesa, o Go-Go de Washington D.C., o indecente Rub-a-Dub jamaicano. Vontade de dançar, no Brasil é o que não falta.

Isso se as gravadoras e rádios ajudarem. Mas parece que vai demorar até que todas elas gastem seu cartucho britânico. Vacilos imperdoáveis já foram cometidos. O presidente da gravadora independente Celluloid, que tem entre seus contratados alguns dos nomes mais quentes da música africana e do funk (Fela Kuti, Touré Kounda, Grand Mixer DST, Time Zone), esteve no Brasil em janeiro e não conseguiu sensibilizar nenhuma das nossas gravadoras para distribuir seus discos por aqui. Arto Lindsay, músico de Nova York que faz interessantíssimas experimentações com ritmos brasileiros, noise e funk, também tentou mas lhe foi negada a possibilidade de ter seu disco Envy lançado no Brasil. Espero que pelo menos alguma gravadora tome vergonha na cara e lance o próximo LP de Naná Vasconcelos, que indica novos rumos (eletrônicos e radicais) para a MPB.

Contra os reverendos do tédio, tristeza, ingenuidade e má poesia, o pop negro contemporâneo deflagra a alegria, o bem viver. Como diz o lema, curto e grosso, de Gilberto Gil: “Trocar o logos da posteridade pelo logo da prosperidade.” Não é essa a missão da pós - modernidade?

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Hermano Vianna, 25 anos, faz mestrado em antropologia no Museu Nacional. Em março lançará pela Zahar um livro sobre as relações entre o rock brasileiro e a indústria

Publicado em 28 de fevereiro de 1986 no Jornal do Brasil

Nick Drake - Five Leaves Left (1969)

2011-07-18T21:36:00.005-03:00

Vinte e um anos de idade e autor deste LP formado por dez canções fundamentais. Nick Drake, durante sua curta vida, foi tão enigmático quanto suas composições. Introspectiva e universal, ao mesmo tempo, sua poesia é madura e inspiradora para qualquer ser humano. É também referência de música 'folk' para as novas gerações, claro. Sua obra começou a ser mais conhecida nos últimos dez anos, ninguém pode ficar indiferente a sonoridade deste inglês.

Apesar de lançar seus três álbuns numa gravadora importante, que abria espaço para a música 'folk' e oferecia os melhores aparatos técnicos, Drake não conseguiu sucesso comercial imediato. Isso o perturbou por anos. Queria estar se comunicando diretamente com jovens, como ele. Queria mudar o mundo com a força de sua poesia, com a suavidade de seu dedilhado.

A voz de Nick é um capítulo a parte na gravação deste disco. O resultado, uma voz grave e suave, aveludada com os acordes do violão, é uma engenhosidade do produtor Joe Boyd. Há um microfone somente para captar a voz de Drake, mas ela também é captada pelo microfone do violão, criando um efeito incrível, que torna a melodia da canção ainda mais agradável.

A falta de uma agenda de apresentações e, igualmente, a ausência de divulgação por parte da gravadora são alguns motivos do insucesso comercial. Drake fez algumas apresentações em bares e restaurantes mas sentia-se incomodado com o barulho das conversas. Não se sentia à vontade num palco desses.

Participaram do disco Richard Thompson, guitarrista do Fairport Convention, e Danny Thompson, baixista do Pentangle, além de Paul Harris no piano e Tristam Fry na bateria e percussão. Rocky Dzidzornu combina suas congas perfeitamente com a voz de Drake. Robert Kirby, um amigo da época de escola, é o responsável pelos belos arranjos.

Faixas:

01. Time has told me

02. River man

03. Three hours

04. Way to blue

05. Day is done

06. Cello song

07. The thoughts of Mary Janne

08. Man in a shed

09. Fruit tree

10. Saturday sun

Five Leaves Left

Burro Morto - Baptista Virou Máquina (2011)

2011-07-17T13:17:00.004-03:00

Outro dia entre numa das últimas boas lojas de disco que sobraram na cidade do Rio de Janeiro procurando por este Baptista que virou máquina. Falei com o balconista gente fina que nunca tinha ouvido falar na banda, mas me indicou outros álbuns interessantes. Também falei com o dono da loja. Eu disse o nome da banda e ele entendeu 'Do Amor', e quando finalmente entendeu o nome da banda disse que nem saberia quem fornecesse o disco. Saí de lá com uns disquinhos a mais na bagagem e uma sensação estranha.

A dificuldade de distribuição dos álbuns de bandas é alarmante. Mesmo os artistas que recebem incentivos do governo federal têm tiragem limitada e não conseguem distribuir a um número de cidades razoável. Este disco foi lançado há seis meses e já se encontra esgotado em lojas de departamento como Fnac e Livraria Cultura. Por isso, imagino, que os integrantes da banda não se preocupam com a farta propagação do álbum pela rede, inclusive antes do lançamento oficial.

Este é o segundo disco deste quinteto instrumental paraibano que se apresentou no Rio durante a Mostra Instrumental Contemporânea no mês passado. Mesmo sem letras, o disco conta a história de Baptista, um sujeito que vive num lugar onde todos só trabalham graças a "avanços médicos". Um belo dia, Baptista sofre um acidente e desmaia. É quando sonha com todos os sentimentos, prazeres e alegrias do ser humano, que naquele momento estão privados a ele. A versão física do álbum conta com um DVD com este curta, uma interessante, porém manjada, crítica ao capitalismo.

A sonoridade da banda viaja entre o afrobeat e o rock psicodélico e vai se tornando mais melódico a partir da tomada de consciência (ou da saída da condição de alienado) do personagem principal. A banda conta também com a guitarra de Fernando Catatau na faixa Cataclisma.

Formação:

Haley

Daniel Ennes

Leonardo Marinho

Natcho Gonsalves

Ruy José

Faixas:

01. O céu acima do porto

02. Transistor Riddim

03. Tocandira

04. Baptista, o maquinista

05. Volks Velho

06. Foda do futuro

07. KalaKuta

08. Cataclisma

09. Volte Amor

10. Luz Vermelha

Baptista Virou Máquina

Fleet Foxes - Helplessness Blues (2011)

2011-05-10T12:18:00.006-03:00

Sim, doutor! O Fleet Foxes lançou seu segundo disco. A ignorância gráfica na capa e o poster (presente pelo menos na versão em vinil) são os mimos da banda para o fã ficar curtindo enquanto deixa a agulha correr pelo bolachão. Três anos após lançar o espetacular disco de estréia (Fleet Foxes, 2008), o grupo retorna como um sexteto. Morgan Henderson, antigo integrante do Blood Brothers, levou ao Fleet Foxes sua experiência de multi-instrumentista.

Neste álbum não há um grande "hit" como White Winter Hymnal. As letras são mais profundas, a métrica digna dos grandes compositores da música folk americana dos anos 50 e 60, principais inspirações para este conjunto, que mostra uma destreza ainda maior nos instrumentos. A banda não levou horas dentro do estúdio. Como Van Morrison, em Astral Weeks, gravaram em poucas horas, de forma espontânea, o som que a banda tem hoje. Estas doze faixas levam o ouvinte para muito próximo do ambiente das apresentações da banda. Para quem está no Brasil, e não tem chance de pular fora e topar com eles em algum canto, fica o gostinho bom.

Esta turma da cidade de Hendrix vai se firmando, como já esperava-se, como a principal banda folk dos EUA.

Faixas:

"Montezuma" – 3:37
"Bedouin Dress" – 4:30
"Sim Sala Bim" – 3:14
"Battery Kinzie" – 2:49
"The Plains/Bitter Dancer" – 5:54
"Helplessness Blues" – 5:03
"The Cascades" – 2:08
"Lorelai" – 4:25
"Someone You'd Admire" – 2:29
"The Shrine/An Argument" – 8:07
"Blue-Spotted Tail" – 3:05
"Grown Ocean"

Formação:

Robin Pecknold: vocal principal, violão

Skyler Skjelset: guitarra, bandolim

Christian Wargo: baixo, vocais

Casey Wescott: teclado, bandolim, vocais

Joshua Tillman: bateria, vocais

Morgan Henderson: multi-instumentista e arranjador

PJ Harvey - Let England Shake (2011)

2011-05-09T00:01:00.006-03:00

Sete álbuns, uma peel sessions, músicas que marcaram os 90's e muita história pra contar na mala. Let England Shake, o oitavo da cantora que estreou com Dry em 1992, veio para consagrar definitivamente seus 19 anos de carreira. Ela está entre as poucas cantoras que podem se gabar de trazer referências da literatura para a música. Nesse álbum, a cantora cita como influências numa entrevista para o sítio Bridport os escritores T.S. Eliot e Harold Pinter, além de bandas como The Doors, Velvet Underground e The Pogues.

A Island Records, a mesma que lançou Wake Up The Nation de Paul Weller em 2010, é a gravadora de Harvey e parece querer liderar ou participar de (mais uma) revolução na música de língua inglesa. O selo que lançou Nick Drake, King Crimson, Wailers e Traffic, só pra citar alguns poucos, na verdade vem tentando agradar o público inglês, principalmente os jovens, que está insatisfeito com os rumos da economia do país.

A maré parece estar virando a favor do lendário selo rosa. PJ Harvey atingiu a oitava posição na parada britânica, fez um das melhores apresentações do Coachella deste ano e sacudiu a Inglaterra inteira com seu disco. A banda está voando, como provam os shows da turnê. John Parish, colaborador desde 1995 em To Bring You My Love, comanda as baquetas de forma espetacular. Mick Harvey, que foi membro do Bad Seeds, participa da banda, principalmente no baixo. Vale chamar atenção também para The Colour Of The Earth, versos inspirados para uma bela canção de amizade e guerra.

Harvey talvez inaugura aqui um novo conceito de álbum: o de guerra. Alguém tão importante quanto Homero na literatura? Tomara!

SHOW COMPLETO NO COACHELLA 2011 EM VíDEOS!

Faixas:

01. Let England Shake

02. the Last Living Rose

03. The Glorious Land

04. The Words That Maketh Murder

05. All and Everyone

06. On the Battleship Hill

07. England

08. In The Dark Places

09. Bitter Branches

10. Hanging In The Wire

11. Written on the Forehead

12. Colour Of The Earth

Banda:

PJ Harvey - vocais, harpa, saxofone, guitarra, violino

John Parish - bateria e percussão

Mick Harvey - piano, baixo, órgão e guitarra

Jean-Marc Butty - vocais de apoio e bateria

Grinderman - Grinderman 2 (2010)

2011-05-08T19:25:00.009-03:00

PQMP!! Eu escrevo um texto bacana num domingo à noite e este monte de lixo desse computador me faz a cagada de dar pau e apagar tudo! Mas depois de contar até dez, lá vamos nós outra vez...

Na MOJO de outubro do ano passado Nick Cave disparou: "Esse é o monstro mais maligno!". Com esse lobo possesso na capa, ele provavelmente está certo. A banda Grinderman é a versão rock'n'roll dos Bad Seeds. Mas não se engane, isso vai além de uma distração de final de semana. Não satisfeito com a pressão das sementizinhas do mal, Cave formou uma banda para ser mais visceral que nunca e deixar todas as atenções no quarteto voz, guitarra, baixo e bateria. A cacetada Mickey Mouse and the Goodbye Man não tem a sonoridade do resto do disco, mas vem com o pé na porta para começar a contar uma história com deuses, uma criança pagã e, claro, o lobo.

Explorando todo potencial de seus anos de muito roque, Cave comanda os nuances pelos quais a banda explora cada instrumento e cada som. Warren Ellis, Martyn Casey e Jim Sclavunos correspondem e fazem o serviço ficar melhor que o disco de estréia da banda, de 2007. A história ganha contornos de ópera-rock com letras interligadas e um livreto de 16 páginas na edição em vinil - o que realmente interessa - com ilustrações que só ajudam a deixar a história ainda mais enigmática e subjetiva.

Não só um dos melhores discos de rock de 2010, Grinderman 2 é um dos melhores lançamentos do ano, que deixou várias pedradas do bom e velho ronquenrou.

Faixas:

01. Mickey Mouse And The Goodbye Man

02. Worm Tamer
03. Heathen Child
04. When My Baby Comes
05. What I Know
06. Evil
07. Kitchenette
08. Palaces of Montezuma
09. Bellringer Blues

Formação:

Martyn Casey – baixo, violão
Nick Cave – vocais, guitarra, orgão e piano
Warren Ellis – violão, violino e bandolim
Jim Sclavunos – bateria, percussão

The Mothers Of Invention - Freak Out! (1966)

2011-03-13T09:56:00.004-03:00

Todo mundo sabe quem é o pai, mas a mãe das invenções que dão certo ninguém quer saber. Como filho feio só tem mãe, Freak Out! é o álbum de estréia The Mothers Of Invention. Na Califórnia dos anos 60, o feio (para as classes dominantes) era o bonito (para uma geração inteira de jovens). Isso explica muita coisa.

Em 1965, Franz Zappa morava em Los Angeles e estava na casa de um amigo, conhecido como 'Wild Bill', quando acompanhou o noticiário sobre as revoltas no bairro de Watts daquela cidade. Essa revolta ocorreu em um bairro onde a população era de maioria negra. O fato que desencadeou a revolta foi a abordagem de um policial branco que fazia uma ronda de moto a um motorista negro que aparentemente dirigia embriagado. O policial submeteu o motorista a "testes" para comprovar sua imcapacidade de dirigir um carro, como andar em linha reta e levar o dedo indicador ao nariz, no meio da rua. O irmão do motorista passava na hora pela rua e foi impedido de levar o carro pelo policial. As pessoas que passavam pelo local se aglomeravam em dezenas e rapidamente em centenas, também com mais policiais. Quando a polícia prendeu os irmãos e a mãe deles, a multidão começou a jogar pedras. Os policiais foram embora deixando as pessoas em fúria para trás. O resultado foi seis dias de revoltas e saques a lojas e fábricas onde era cotidiana a descriminação racial. Zappa, atento aos acontecimentos ao seu redor, compôs "Trouble Every Day", uma crítica às injustiças sociais, à violência empregada em tensões raciais e ao sensacionalismo da imprensa.

No ano seguinte, Tom Wilson, lendário produtor que já trabalhava para a MGM Records, no selo Verve, ouviu a demo da música e julgou estar diante de uma banda de blues-rock. Ofereceu o contrato e entrou no estúdio com a banda. Quando os The Mothers gravaram "Who's Are The Brain Police?" e "Anyway the wind blows" o produtor se deu conta de que não era bem assim. Ligou para a sede da empresa, em Nova Iorque, e conseguiu carta branca para a trupe de Zappa fazer seu álbum duplo, conceitual de estréia. A banda fazia experimentos musiciais em cada faixa, sem cair nas características mais batidas da música psicodélica. Cada letra tem um discurso, seja uma sátira ou uma questão social.

O auge da experimentação sonora e lisérgica veio em "The Return Of The Son Of Monster Magnet" em que Suzy Creamcheese, uma personagem fictícia criada por Zappa, tem um diálogo surreal com a voz de sua consciência. A capa do LP original, duplo nos EUA, mas simples na Inglaterra, era na capa e na contra-capa fotos lisergicamente tratadas para retratar a postura da banda. Dentro, a capa trazia notas sobre as músicas, tantando explicar um pouco o conceito em que o álbum fora realizado, além de um guia de lugares bacanas para se visitar em LA e um aviso da polícia.

Freak Out! é, facilmente, um dos cinco melhores discos de estréia de todos os tempos na música popular mundial.

Faixas:

1. Hungry Freaks, Daddy
2. I Ain't Got No Heart
3. Who Are the Brain Police?
4. Go Cry on Somebody Else's Shoulder
5. Motherly Love
6. How Could I Be Such a Fool?
7. Wowie Zowie
8. You Didn't Try to Call Me
9. Any Way the Wind Blows
10. I'm not Satisfied
11. You're Probably Wondering Why I'm Here
12. Trouble Every Day
13. Help, I'm a Rock
14. It Can't Happen Here
15. The Return of the Son of Monster Magnet

Formação:

Frank Zappa - guitarra, teclados, percussão, vocais
Ray Collins - vocais, harmônica, percussão
Elliot Ingber - guitarra
Roy Estrada - baixo, vocais
Jimmy Carl Black - bateria, vocais

The Mothers Of Invention - Freak Out!

Marcelo Jeneci - Feito Para Acabar (2010)

2011-03-12T17:53:00.006-03:00

Hoje tem apresentação do Marcelo Jeneci na cidade do Rio de Janeiro e quem ainda não assistiu é bom não perder porque ele é um cara feito para acabar. A piada é ruim mesmo porque não é uma piada. A apresentação de janeiro foi no bairro do Leblon, teatro Oi Casa Grande, e contou com uma orquestra de câmara regida pelo músico Arthur Verocai. No Oi Futuro de Ipanema, hoje, o Jeneci, que teve seu álbum bancado, em parte (quanto será?), com dinheiro público graças à lei de incentivo à cultura aplicada pelo Ministério da Cultura, vai engatar seu segundo show na cidade e na zona sul. Também patrocina o disco a Natura, empresa de produtos de cosméticos, ou algo do tipo, e a Oi tem algum tipo de acordo com o músico.

Nessa altura dos acontecimentos você se pergunta efusivamente: "O que isso tem a ver com música?!". Eu digo: - Pácas, Anônimo (o sujeito que mais frequenta esse blogue)! A relação de quem faz música, não necessariamente um artista, com quem banca financeiramente tudo que envolve a produção de um álbum, não necessariamente, quase nunca, um mecenas, é importante para entender quem é o músico e o que é o som dele. As gravadoras e os selos independentes, que ainda sobrevivem com alguma força na Europa e EUA principalmente, são importantes não apenas para financiar e lucrar sobre algum trabalho artístico. Há nessa situação um compromisso artístico, de promoção da música e de quem a faz. A necessidade do lucro rápido fez essa relação ficar cada vez mais rara, mas ela ainda existe, mesmo com artistas das novas gerações.

Quando o governo e empresas particulares resolvem financiar diretamente a produção cultural do país abrem uma situação perigosa. Todos querem parecer 'bonszinhos' e aparecer como motivadores da cultura brasileira. Essa relação se espalhou por toda produção cultural brasileira. Na música, o que se ouve e o que se vê dos artistas financiados por parcerias entre estado e iniciativa privada são composições com letras vazias, pouca inventividade artística e criatividade musical, além de apresentações tímidas, de quem pouco tem jeito para a coisa. Uma parceria dessas financiaria o disco da Legião Urbana em início de carreira? Colocaria dinheiro numa banda que carrega um discurso social forte como os Sex Pistols? Isso fede à cultura estatal ou arte oficial.

Preciso deixar uma resalva aqui. A banda Cidadão Instigado, principalmente pela figura do guitarrista Fernando Catatau, é a exceção que honra a turma pelo menos no que se refere à criatividade artística e musical. Do resto - Otto, Tulipa, Bárbara Eugênia, Siba e a Fuloresta, Céu, Jeneci, Do Amor, Lucas Santtana, Mombojó, Móveis Coloniais de Acaju, Orquestra Contemporânea de Olinda, Superguidis e Violins - espero que cumpram o profético título deste álbum e mostrem que foram feitos para acabar, nati-mortos.

No Brasil-Anos 2000, a música popular feita pela nova geração, que está na faixa-etária de 30 à 35 anos, é dividida em duas: Entretenimento para as massas, bancado principalmente pelas filiais das grandes gravadoras, e entretenimento para a parte da classe-média e a parte dos ricos ricos que não querem se misturar mas também não são exigentes no que consomem. Pouquíssimos artístas por aqui exercem com plenitude o papel de críticos imanentes da sociedade, desta vez colocando todos os artistas, músicos ou não, que estão na ativa, no mesmo barco.

Tudo bem, Anônimo. Não se irrite! Vou falar do disco. Ou será que já falei? Ou será que já falei de toda uma geração de músicos que sob o epitáfio de "A Nova MPB" estará sepultada dentro em breve? Se não, o disco é bem executado e produzido. Os músicos, assim como o produtor, são competentes. Não há canções inspiradas, longe disso. O álbum se arrasta durante seus 62 minutos, a melhor parte é quando finalmente acaba.

Como eu não tenho nenhuma pressa, vou esperar o Marcelo Jeneci vir tocar no Méier, quando a reforma do Imperator estiver concluída. Mas espera aí! Será que o Marcelo Jeneci toca no Méier?

Faixas:
1. Felicidade
2. Jardim Do Eden
3. Copo D'agua
4. Cafe Com Leite De Rosas
5. Quarto De Dormir
6. Pra Sonhar
7. Por Que Nos?
8. Dear-Te-Ei
9. Longe
10. Tempestade Emocional
11. Show De Estrelas
12. Pense Duas Vezes Antes De Esquecer
13. Feito Pra Acabar

Marcelo Jeneci - Feito Para Acabar

Todos os vídeos acima postados pela Natura, no Youtube. Como precisa de gente para elogiar, esse rapaz!

Para quem quer saber mais sobre a lei de incentivo à cultura, clique aqui.

Isle Of Wight Festival 1970

2011-02-27T00:00:00.020-03:00

Isle of Wight Festival 1970

O verão de 1970 foi bastante diferente para os habitantes da ilha de Wight, mesmo em comparação aos dois anteriores. Os cinco dias entre 26 e 30 de agosto viraram o lugar para o avesso. A semente plantada pelo primeiro festival na ilha, em 1968, acabara por render seu fruto mais espetacular. Naquele verão, o festival atraiu cerca de 600 mil pessoas, uma quantidade seis vezes maior que a própria população da ilha. Atraídos por artistas do quilate de Miles Davis, Leonard Cohen, Who e Jimi Hendrix Experience, jovens de toda Inglaterra, Europa e Estados Unidos rumaram para a ilha de veraneio onde só é possível chegar de barco.

A expectativa da organização do festival era receber um público de 200 mil pessoas. Para isso, prepararam uma fazenda em Afton Down, parte oeste da ilha, cobrando somente três libras para sexta, sábado e domingo. A ilha e o festival foram se tornando um barril de pólvora a partir de quinta, quando as pessoas começaram a chegar e não pararam mais. Felizmente, o único lugar onde esse barril explodiu foi no palco, nos amplificadores dos artistas que se sucederam ali ao longo de cinco dias. Mesmo sem acontecer o pior, os moradores não gostaram nada de hippies, ativistas políticos de esquerda e, muito menos, motoqueiros com suas motos barulhentas, minoria neste festival, andando por “suas” ruas. Outro pequeno incidente foi o boato que o festival se tornara de graça e, por isso, várias pessoas tentaram derrubar o cercado para entrar na marra. Com todas as dificuldades que cercam a organização de um evento assim, essa edição acabou sendo a última do festival.

As comparações com o festival de Woodstock, ocorrido em Bethel, Nova Iorque, cerca de um ano antes, são inevitáveis. O caráter social e político são imbatíveis. Nada supera um evento contra-cultural daquele porte no quartel general do capitalismo. A comparação enquanto artistas escalados, o festival inglês ganha pela pluralidade de ritmos e formas de se fazer música, apesar de alguns artistas terem participado dos dois festivais. A partir daí, qualquer comparação fica difícil de ser feita.
O festival da Ilha de Wight de 1970 foi o clímax do projeto que começara dois anos antes. A aliança entre a presença de um público grandioso com um ecletismo musical peculiar para qualquer festival grande foi o que fez deste o maior de todos os tempos.

Quarta e quinta (26 e 27 de agosto)

Os festivais ingleses, normalmente, são em bank holidays – como eles chamam os feriados prolongados por lá -, sempre de três dias. Porém, naquele ano, os organizadores resolveram esticar um pouco mais o festival e conseguiram apresentações para quarta e quinta. A maioria dos artistas que se apresentaram nesses dias não teve vida longa. As apresentações foram pouco documentadas, sabe-se muito pouco sobre as músicas dos shows, as reações do público e desempenho dos artistas.
Na quarta, o autor de Bobby McGee, Kris Kristofferson foi a atração mais comentada. Na quinta, a Supertramp fez uma de suas primeiras apresentações. Alguns dias antes, eles tinham lançado a primeiro disco e os anos 1970 seriam bastante lucrativos para a banda.
O acaso de Caetano Veloso e Gilberto Gil estarem vivendo na Inglaterra justamente quando o festival foi realizado gerou a oportunidade para uma apresentação de Gil no festival. Provavelmente Gil era o único artista no festival que não cantava predominantemente em inglês. As informações da apresentação de Gil são poucas e desencontradas. Em alguns textos, há relatos de uma participação de Caetano Veloso e a boa recepção do público ao som de Gil. As músicas apresentadas não são conhecidas, mas fica o orgulho de ter um dos principais movimentos musicais brasileiros representados no maior festival de música do mundo.

Sexta (28 de agosto)

Quando a manhã de sexta trouxe o calor do verão de volta à ilha, o público começava a ocupar o campo da fazenda e os morros em volta. Foi graças a esses morros, à direita do palco, que o público atingiu os números estratosféricos que até hoje impressionam.
A primeira banda que subiu ao palco naquele dia foi a Fairfield Parlour, que com o nome de Kaleidoscope aparecerem na trilha sonora de Zabriskie Point. Talvez a primeira apresentação que se tornaria lendária é a do Taste. Power-trio fiel ao blues elétrico, que contava com o lendário guitarrista Rory Gallagher, já tinha data para acabar quando pisaram no palco do festival. Esta foi uma das últimas apresentações da banda e seus integrantes já nem se falavam mais na época do show. Essas desavenças não foram obstáculo para uma performance impecável.

Como a concorrência não era pequena, fica difícil cravar alguma banda como a principal atração de um dia ou de outro. Após o Taste, foi a vez de a banda estadunidense Chicago mostrar seu repertório baseado nos dois primeiros discos, The Chicago Transit Authority e Chicago. Então, subiu ao palco os britânicos da Family que estavam começando a flertar com o rock progressivo. O primeiro grande dia do festival foi encerrado pelo Cactus. Os estadunidenses tinham acabado de lançar seu primeiro álbum e já tinham a fama de uma das bandas mais pesadas do blues-rock. Boa parte dessa fama era justificada pela presença de Tim Bogert no baixo e do baterista Carmine Appice, uma das melhores “cozinhas” do rock’n’roll.
O terceiro dia de festival, que mostrou Taste, Family, Chicago e Cactus; foi o mais pesado, que ainda contou com o coral Voices of East Harlem. Os amplificadores já estavam devidamente testados e aprovados.

Sábado (29 de agosto)

No sábado veio o clímax da ansiedade que tomava conta da ilha desde quarta entre o público e desde muito antes entre quem trabalhava para fazer o festival. O som estava funcionando como deveria, o palco agüentava bem, mas a maior parte do público já estava ali há três dias. Isso significava três dias sem um banho adequado, sem dormir e comer bem. Ainda contando com as bad-trips, o quarto dia já não era tão agradável quanto os outros. Por isso, a resposta do público às apresentações de alguns artistas não foram positivas.
Joni Mitchell foi a primeira atração de peso do dia, e também a primeira a provar a irritação da platéia. Um hippie subiu no palco para fazer algum discurso. Quando foi retirado na marra pelo empresário da cantora, o público começou a vaiar intensamente. Ela só conseguiu terminar a apresentação depois de fazer um apelo à audiência.
Após a apresentação de Tiny Tim, que acalmou um pouco os ânimos da gigantesca massa, Miles Davis levou toda a exuberância de Bitches Brew para aquelas 600 mil pessoas. Ninguém pode vaiar Davis. Não porque é proibido, é no mínimo falta de inteligência. Além das músicas do álbum recém lançado, as releituras elétricas para as músicas de outros álbuns foram formidáveis. A banda que acompanhou Miles contava com Gary Bartz, no sax soprano, Chick Corea, no piano, Keith Jarrett no órgão, Dave Holland como baixista, Jack de Jonhnette na bateria e Airto Moreira na percussão.
O Tem Years After já era uma banda respeitada do blues-rock britânico, inclusive nos Estados Unidos graças à repercussão de sua apresentação em Woodstock. Os ingleses apresentaram na Ilha de Wight uma seqüência muito parecida com o festival estadunidense anterior. O trio de rock progressivo Emerson, Lake and Palmer fez desta, a sua segunda apresentação apenas. Lá, eles tocaram na íntegra o álbum Pictures of Exhibition, inspirado numa peça de dez movimentos para piano do russo Modest Mussorgsky de 1874, que foi lançado somente em 1971.
Alguns momentos após a saída do ELP era a vez de uma das bandas mais aguardadas. O Doors, quando pisou no palco, já era uma banda consagrada, com cinco álbuns lançados. Não há registros seguros da lista de músicas apresentadas durante o show, mas, provavelmente, foi uma mescla dos álbuns já lançados. A apresentação da banda não foi gravada oficialmente em áudio e vídeo por uma exigência da banda. Os registros que existem são gravações da platéia.
Apesar disso tudo, o melhor da noite ainda estava por vir. O Who era a banda símbolo do rock inglês. Através de sua história, pode-se contar a caminhada do gênero durante os anos 60 de 70 naquele país. Mais que isso, você pode entender como a juventude inglesa tentava se livrar da caretice de uma sociedade que ainda juntava os cacos da guerra ouvindo as músicas do Who. Aquele show não foi uma apresentação musical apenas. Foi um dos maiores acontecimentos que celebrou uma geração que começava a entrar na fase adulta com a certeza de que já haviam mudado muita coisa. Eles eram livres. É dessa liberdade que a ópera-rock Tommy trata. No seu segundo festival na ilha, o Who estava em plena turnê do álbum Tommy, de 1969, e já havia feito concertos históricos como o do festival de Woodstock e no refeitório da universidade de Leeds, além da própria ilha de Wight. Porém, a carga histórica dessa apresentação é maior. A banda estava no auge da turnê e tocava melhor que nunca.
Quando o Who saiu do palco deixou um público satisfeito, extasiado e cansado. A madrugada aproximava-se do fim quando Sly Stone e sua trupe assumiram o comando para agitar o público com clássicos de seu repertório como I want to take you higher e Dance to the music. Quando a banda fez um intervalo, algum ativista político subiu ao palco para discursar e virou alvo de latas e garrafas que vinham da todos os lados. O guitarrista Freddie Stone levou a pior, foi acertado na cabeça e a precisou viajar para algum posto médico. Certamente não era essa a viagem planejada pelo guitarrista para aquela noite. A banda deixou o palco prometendo voltar no dia seguinte, mas esse retorno nunca aconteceu. Melaine, uma veterana de Woodstock, foi a última atração daquele sábado que já havia virado domingo há várias horas.

Domingo (30 de agosto)

A platéia que conseguiu ficar até domingo dentro daquela fazenda em Afton Down foi acordada pelo ensaio do Jethro Tull, em mais uma manhã ensolarada. Ser acordado pela passagem de som de uma banda como a de Ian Anderson é algo que somente um festival assim pode proporcionar.

O primeiro show que animou a platéia no derradeiro dia de festival foi o Free. A banda de Paul Rodgers estava na estrada com seu terceiro disco, Fire and Water, e botaram pra quebrar com All Right Now, talvez a melhor música da carreira da banda, e também com sua interpretação de Crossroads.
Donovan apareceu no festival ainda com o esquema de dois “sets”. O primeiro era acústico, sozinho. O segundo, elétrico com a banda Open Bar. Moody Blues e o Jethro Tull terminaram a parte das bandas boas e mortais do dia dando um aperitivo para o que viria dali a diante.
Já era segunda-feira, 31 de agosto, quando James Marshall Hendrix pisou no palco do festival ao lado de Mitch Mitchell e Billy Cox, sob a alcunha de ‘The Jimi Hendrix Experience’, abriram o show com a distorcida versão de God Save The Queen. Ali, Hendrix e sua banda eram as estrelas máximas do rock. O Who talvez dividisse o posto, os Stones arrastavam multidões e faziam muito dinheiro, mas não encarnavam o rock’n’roll tanto quanto o Who e o Experience naquele momento.
Jimi não estava no auge de sua técnica. 1969 havia sido um ano complicado para o musico. Hendrix perdera seu baixista, Noel Redding, e resolvera dar um tempo no Experience. Organizou a Band of Gypsys, com Cox no baixo e Buddy Miles na bateria, fez apresentações lendárias com essa banda no Fillmore East na virada do ano de 69. A formação que proporcionou as duas horas de música na Ilha de Wight era, portanto, uma miscelânea do Experience - a fusão de rock com jazz de Mitch – e com a Band of Gypsys – dos graves carregados de soul e funk de Billy.
Apesar da importância deste show para a carreira da banda e para o rock’n’roll, não é dos melhores da carreira de Hendrix. Essa nova versão do Experience fazia uma conturbada turnê pela Europa que acabou na primeira semana de setembro com o baixista tendo um colapso nervoso. O que torna esse show ainda mais histórico é o desenrolar da trajetória meteórica do garoto de Seattle. Foi o último concerto de Hendrix para seu público inglês. 600 mil pessoas estavam lá para dizer adeus e só saberiam disso três semanas depois. 600 mil pessoas para saudar o maior músico que o rock jamais teve. Para toda aquela gente no meio de um festival de proporções inimagináveis Hendrix só poderia ter feito o melhor show de rock de todos os tempos.
De certa forma, o Jimi Hendrix Experience encerrou a parte elétrica do festival. Os shows seguintes eram todos baseados em instrumentos acústicos. Quem teve a tarefa de encarar o público pós-Hendrix foi Joan Baez. Naquela altura da carreira, Joan já estava acostumada a “enfrentar” qualquer tipo de platéia. Com um repertório que mesclou suas composições e versões, principalmente dos Beatles, a musa do folk estadunidense ganhou a todos facilmente. Um dos pontos altos de sua participação foi sua releitura para Let it Be.

Agora só faltavam duas atrações no meio daquela madrugada. Leonard Cohen foi o penúltimo a se apresentar. Com apenas dois discos lançados até então, Cohen fez um show impecável, de quase noventa minutos com a banda The Army. Além das letras e melodias inspiradas, Cohen ganhou o público com poesia, seu charme inconfundível e lábia afiada. Cartas na manga que o canadense usa ainda hoje com sucesso estrondoso. As versões para The Partisan, Suzanne e Bird On The Wire são históricas.
O encerramento do festival ficou por conta do mesmo artista que abriu Woodstock: Richie Havens. Já era manhã de segunda quando Havens recepcionou a alvorada com Here Comes the Sun. Sua banda contava com um baixista, um percussionista, um guitarrista com um violão, além de sua voz e violão.
“This is the last festival, enough is enough. It began as a beautiful dream but it has got out of control and became a monster.” Essa era a sensação de muita gente que esteve lá naqueles dias logo após o encerramento do festival. Essa declaração, atribuída ao empresário Ron Foulk em primeiro de setembro de 1970, sintetiza bem as razões pelas quais o festival não foi mais realizado. O principal problema era logístico. Como transportar tanta gente durante cinco dias entre ilha e continente, e dentro da ilha? E a volta? Como acomodar essas pessoas de forma razoável durante o festival? Outras preocupações eram latentes e a conclusão foi a de que não havia condições para manter um festival dessas proporções.
O festival da Ilha de Wight terminou no auge. Não foi único como Woodstock, mas conseguiu construir uma aura em torno do que houve ali. Consegue ainda, mais 40 anos depois, chamar atenção dentro do turbilhão de informações que a internet traz. Que venham mais festivais como os da Ilha de Wight!

(clique nas fotos para ampliá-las)

Beck, Bogert & Appice - Beck, Borget & Appice (1973)

2010-12-27T12:36:00.005-02:00

O power-trio é uma formação difícil para o blues-rock. A rapaziada realmente precisa saber fazer barulho. Tirar o máximo dos instrumentos não era problema para nenhum desses três. Vanilla Fudge e Cactus estavam no currículo da dupla baixo-bateria.Alías, uma das melhores cozinhas da história do rock'n'roll. Quanto a guitarra, Jeff Beck é mais que recomendado. As contribuições ao Yardbirds e ao Jeff Beck Group já garantiriam o nome do guitarrista no rol dos maiores de sua época.

A união entre o guitarrista e a dupla da cozinha era para ter acontecido em 1969, quando o Jeff Beck Group original se desfez. Pouco antes de anunciar a nova formação da banda, Beck sofreu um acidente de carro, o que adiou a volta do grupo. Com isso, Bogert e Appice formaram o Cactus, lançando seu primeiro álbum em 1970. Beck gravou mais dois discos com outra formação do JBG. O primeiro - terceiro contando a partir do Truth de 69 - em 1971 e o último em 1972.

Finalmente, no final de 72 eles conseguitaram se juntar para formar um trio. Excursionaram pelos Estados Unidos até que em 1973 resolveram entrar no lenndário estúdio da Chess Records em Illions. O disco, único do grupo em estúdio, foi considerado dócil pela rolling Stone. Eu nunca vi ou ouvi a banda ao vivo, mas se eles faziam um som mais pesado nos palcos pode estar ligado ao preciosismo de guitarristas como Jeff Beck com o som de seu instrumento no estúdio. Os pontos altos do álbum são "Black Cat Moan", "Lady", "Superstition" de Stevie Wonder e "I'm So Proud" de Curtis Mayfield.

A banda não durou muito. Quando já estavam gravando materia para um segundo álbum, em 1974, Beck, Bogert e Appice deixaram o rock órfão de mais uma grande banda.

Faixas:

"Black Cat Moan" (Don Nix) – 3:44
"Lady" (Appice, Beck, Bogert, J. Bogert, French, Duane Hitchings) –5:33
"Oh to Love You" (Appice, Beck, T. Bogert, J. Bogert, French, Hitchings) – 4:04
"Superstition" (Stevie Wonder) – 4:15
"Sweet Sweet Surrender" (Nix) – 3:59
"Why Should I Care" (R. Kennedy) – 3:31
"Lose Myself with You" (Appice, Beck, T. Bogert, J. Bogert, French) – 3:16
"Livin' Alone" (Appice, Beck, T. Bogert, J. Bogert) – 4:11
"I'm So Proud" (Curtis Mayfield) – 4:12

Formação:

Beck, Bogert & Appice - Beck, Borget & Appice

Roberto Carlos - O Inimitável (1968)

2010-12-25T20:39:00.003-02:00

Não satisfeito em tornar-se artista da globo, não lançar nada inédito desde o final dos anos 80 e ser a materialização de tudo que é mais chato e decadente na sociedade brasileira, resolveram que o Roberto Carlos deveria fazer uma apresentação na praia de copacabana às custas do contribuinte do município do Rio de Janeiro. "Ai, meu Aristóteles", como diria Paulo Francis. Muito melhor do que isso é este disco lançado em 1968. Dizem por aí, que era o início da transição do RC da jovem guarda com músicas originais e engenhosas para o RC azul e branco de hoje.

A parceria com Erasmo Carlos, esse sim, O Tremendão, rendeu quatro músicas para o álbum. "Se você pensa" tornou-se, no ano seguinte, uma das interpretações mais impressionantes de Gal Costa. "É Meu, É Meu, É Meu" e "Eu Te Amo, Te Amo, Te Amo" se valem da repetição do refrão para cair nas graças da audiência. A música que realmente virou febre no Brasil inteiro na época foi "As Canções Que Você Fez Prá Mim", sem dúvida uma letra bastante inspirada e até termina com um solinho de guitarra.

As músicas que são compostas por outros letristas fazem a maior parte do disco. As duas que se destacam são "E Não Vou Mais Deixar Você Tão Só", que abre o álbum, do Antônio Marcos e "Madrasta", a última faixa, e dizem por aí que é a única música que o RC defendeu num festival e depois incluiu num Lp.

Esse foi o primeiro álbum que Roberto gravou depois da saída do programa Jovem Guarda na TV Record (a original) graças a uma guerra de egos com o Ronnie Von, que apresentava outro programa na casa. Depois, ainda nos anos 60, lançou o disco que contém "As Curvas da Estrada de Santos", pra mim o melhor álbum de sua carreira.

Faixas:
1. Eu não vou mais deixar você tão só
2. Ninguém vai tirar você de mim
3. Se você pensa
4. É meu, é meu, é meu
5. Quase fui lhe procurar
6. Eu te amo, eu te amo, eu te amo
7. As canções que você fez para mim
8. Nem mesmo você
9. Ciumes de você
10. Não há dinheiro que page
11. O tempo vai apagar
12. Madrasta

Músicos:
Tá de brincadeira! Achas que o RC vai dar credito pra músico?

Roberto Carlos - O Inimitável

The Specials - Specials (1979)

2010-12-24T22:09:00.003-02:00

1979 foi um ano engraçado para a música britânica. Muita coisa estava acontecendo, explodindo. Muita gente fazendo música diferente um do outro, mesmo que tivessem o mesmo rótulo colado na testa. Enquanto os Sex Pistols já tinham chegado no seu limite o Clash lançava um dos melhores discos do rock, London Calling. Do outro lado da rua havia o mod revival acontecendo. Impulsionados pelo filme Quadrophenia e pelo The Jam, com Paul Weller a frente, os mods dos anos 70 não precisaram viajar para a Jamaica para assistir uma banda tocando ska. Os Specials estavam lá para preencher uma lacuna que o Clash também percebeu.

A primeira geração mod não teve nenhuma banda tocando Ska, apesar dos Skatalites e dos Toots and the Maytals, por exemplo, já tocarem nas rádios inglesas nos anos 60. O estilo manteve seu espaço nas rádios e com o aparecimento de uma certa banda chamada Wailers, a música jamaicana invadiu definitivamente a ilha que foi sua colônia. Os Specials apareceram para dar início ao ska feito na Inglaterra e com a "benção" dos mestres jamaicanos.

Lançado pela lendária 2 Tone records, este disco de estréia é um pingo (ou seria oceano?) de frescor na música popular britânica. Produzido por Elvis Costello, o disco reflete a revolta e a insatisfação sentida pela juventude inglesa que só iriam aumentar nos tempos de Margareth Thatcher. A guitarra, mais alta que o normal, passou ter uma relação diferente no ska. Muitos colocam isso na conta do punk, eu diria do Clash. Os instrumentos de sopro tradicionais estão todos lá e, claro, as faixas clássicas dos anos 60 diretamente da Jamaica também. "Monkey Man" do Toots & The Maytals, "Too Hot" de Prince Buster e "A Message to Rudy" da dupla Lee Perry e Dandy Livingstone, que abre o disco magistralmente, são alguns exemplos da influência direta e escancarada dos jamaicanos na banda.

"Nite Klub" é a melhor composição própria do disco e não deixa a banda atrás das versões em termos de composição. O disco ainda contou com a participação do trobonista original dos Skatalites, Rico Rodriguez, na primeira faixa. Nem precisa dizer que o disco foi sucesso de público e crítica alavancando a carreira da banda para mais seis discos de inéditas, além de turnês pela Europa.

Faixas:

"A Message to You, Rudy"
"Do the Dog"
"It's Up to You"
"Nite Klub"
"Doesn't Make It Alright"
"Concrete Jungle"
"Too Hot"
"Monkey Man"
"(Dawning of A) New Era"
"Blank Expression"
"Stupid Marriage"
"Too Much Too Young"
"Little Bitch"
"You're Wondering Now"

Membros:

Terry Hall - vocal
Neville Staple - vocal
Lynval Golding - guitarra rítmica, vocal
Roddy Radiation - guitarra solo, vocal na faixa 6
Jerry Dammers - teclado
Sir Horace Gentleman - baixo
John Bradbury - bateria
Chrissie Hynde - vocal
Rico Rodriguez - trombone
Dick Cuthell - trompa

The Specials - Specials

Brazilian Guitar Fuzz Bananas (2010)

2010-12-14T23:10:00.009-02:00

Se não fosse essa compilação, seria muito mais difícil chegar até sons jamais imaginados por mim de serem feitos aqui no Brasil. A maioria desses artistas nunca chegaram a gravar um álbum inteiro e os que conseguiram, não mantiveram a proposta psicodélica dos compactos resgatados aqui. Aliás, cabe aqui a saudação ao idealizador deste projeto. Joel Stones é um brasileiro que chegou em Nova Iorque com uma mão na frente e outra atrás e hoje é o dono de uma das lojas de disco mais bacanas daquela cidade, a Tropicalia In Furs. Fico imaginando a quantidade absurda de compactos que ele escutou até chegar a essa compilação com 16 raridades. Tudo isso por causa de um simples pedal de guitarra que virou a cabeça de uma geração inteira.

Assim que a agulha que começa a deslizar pelos sulcos do vinil o recado começa a ser dado sem rodeios. O multiinstrumentista Celio Balona, na época (fim dos anos 60) um garoto de quase vinte anos, fez uma versão própria para o tema do seriado estadunidense Batman. No livro que acompanha o LP, Joel defende a escolha da faixa para abrir o disco dizendo que tudo que está presente nela, desde a guitarra absurdamente distorcida até as colagens de som com o barulho de carros de Fórmula 1 simulando as naves espaciais, de certa forma resume a mensagem e o sentimento que o álbum quer passar.

Loyce e os Gnomes vêm a seguir com a espetacular 'Era uma nota de 50 cruzeiros'. Aliás, eles são a única banda a aparecer duas vezes na compilação. O compacto de onde foram retiradas as músicas tem quatro faixas, o que na época já era dificil de acontecer, ainda mais para uma banda de Ribeirão Preto.

Agora, na terceira faixa, entram a dupla mais criativa de compositores do rock'n'roll. Lennon e McCartney também estão presentes no disco, assim como Jagger e Richards mais a frente. Os Youngster deitaram os cabelos numa faixa pouco conhecida que está no segundo disco da banda de Liverpool, "With The Beatles". Na releitura, a guitarra base e o baixo são mauito perecidos mas a bateria e a guitarra ligada no pedal de fuzz dão a assinatura dessa banda espetacular e o ingresso na compilação.

Serguei, folclórica lenda do rock brasileiro, aparece num dos muitos compactos que lançou durante sua carreira. No ínício do lado B está uma das atrações do álbum. Lindo Sonho Delirante é a contribuição do underground brasileiro para o rock feito em 1968. Apesar do intérprete ser paraguaio, Fábio já vivia em São Paulo há muito tempo, o sufuciente para se tornar amigo de Carlos Imperial e estabelecer essa parceria que rendou outras ótimas músicas.

Seguindo no lado B, 'O Carona' do Tony e o Som Colorido, produzido por Raul Seixas, traz um Tony pré Nesse Inverno. O 14 Bis que aparece com a potente God Save The Queen não tem nada a ver com os Sex Pistols. Os ingleses não conseguiriam, e nem queriam, um som tão swingado. No livro, Joel diz não ter conseguido a informação se essa banda é a 14-Bis formada em 79 em alguma versão anterior ou outra banda sem nenhuma relação, o que é mais provável, pois o compacto foi lançado quando O Terço, banda que gerou o 14-Bis, ainda estava em atividade.

A Banda 7 Léguas com a ótima 'Dia de Chuva' é ainda mais sombria e desconhecida, não há muito o que falar deles. Ton & Sergio, que vem a seguir, são tão obscuros quanto os anteriores. Gravaram esse compacto pela Polydor e sumiram. Os executivos da empresa provavelmente não queriam arriscar num Lp de um banda inteiramente nova que fazia críticas em letras magistralmente compostas contra o regime militar. No embalo, vem Ely, o Ely Barra da The Brazilian Bitles, em carreira solo mostrando apenas no título qual é a sensação de tocar e ouvir um guitarra num pedal fuzz. É como se uma turbina de avião estivesse ligada do seu lado.

Dos Falcões Reais, a mesma história da Banda 7 Léguas. Fizeram uma letra protestando veladamente contra a ditadura e não tiveram mais nenhum registro, dessa vez pela gravadora Copacabana. Marisa Rossi fecha o terceiro lado do álbum com seu 'Cinturão de Fogo' composto por seu então namorado Fábio em parceria com Paulo Imprial, irmão do Carlos. Logo depois a Marisa dá um pé na bunda do Fábio para casar com um ricaço e ele grava um dos seus sucessos, Stella.

Então, eis que chega a hora de uma das melhores bandas desta coleção. The Pops era uma banda contratada pela gravadora Equipe para acompanhar alguns de seus intérpretes. O estrandoso disco que eles gravaram com o sambista Oswaldo Nunes em 1969 já foi comentado aqui. Nessa faixa, eles tentam e conseguem atingir o som de Jimi Hendrix. Por pouco mais de 3 minutos isso deixa de ser imaginário.

Loyce e os Gnomes, como já foi dito, voltam a aparecer na coleção que toma rumo para o final com Piry, ex-integrante do A Barca do Sol. A letra é uma homenagem aos ex-companheiros de banda. Eles são os heróis modernos. A compilação é encerrada com a formidável versão de "The Lantern" dos Rolling Stones, que está no disco "Their Satanic Majesties Request" de 1967. A banda Mac Rybell chegou a experimentar algum sucesso e depois que encerrou suas atividades como banda, investiram numa empresa de produção.

Se você teve folego para chegar até aqui, fique sabendo que estas são apenas algumas referências que eu selecionei de algumas pesquisas e da leitura do livreto que acompanha do Lp. Essa compilação pode te levar a sons jamais imaginados, a história, em vários casos bem escondida, por trás de cada banda e cada música mostram os tímidos avanços pdo Rock feito no Brasil, que nunca foi explorado comercialmente até os anos 80. Apesar de não aparecerem aqui, por motivos óbvios, é bom dar o crédito os que conseguiram, à base de muito talento e esforço, fazer rock'n'roll neste país sem se dobrarem às exigências comerciais do mercado. Fica aos Mutantes, aos Beat Boys, Rogério Duprat e a turma da tropicália meu muito obrigado por terem feito o máximo para que esses sons tenham existido por aqui.

Faixas:
01 03:03 Celio Balona - Tema De Batman
02 03:35 Loyce E Os Gnomes - Era Uma Nota De
03 02:23 The Youngsters - I Wanna Be Your Man
04 03:14 Serguei - Ourico
05 02:26 Fabio - Lindo Sonho Delirante
06 02:26 Tony E Som Colorido - O Carona
07 03:36 14 Bis - God Save The Queen
08 02:54 Banda De 7 Leguas - Dia De Chuva
09 02:51 Ton & Sergio - Vou Sair Do Cativeiro
10 03:04 Ely - As Turbinas Estao Ligadas
11 02:58 Com Os Falcoes Reais - Ele Seculo Xx
12 02:21 Marisa Rossi - Cinturao De Fogo
13 03:27 The Pops - Som Imaginario De Jimmi Hendrix
14 02:01 Loyce E Os Gnomes - Que E Isso
15 02:09 Piry - Heroi Moderno
16 04:12 Mac Rybell - The Lantern

Brazilian Guitar Fuzz Bananas

King Crimson - In The Court Of The Crimson King (1969)

2010-12-13T22:16:00.007-02:00

Não sou, particularmente, um ávido fã do rock progressivo. Acho que já existem muitos deles e eles são chatos o suficiente. Agora, não sou tão implicante ao ponto de negar o lugar do King Crimson e de seu disco de estréia no rol das melhores bandas e discos da história do rock. Eles conseguiram aqui, misturar o blues-rock com o jazz e sinfonia clássica, o principal objetivo do rock progressivo, melhor que qualquer outra banda do gênero.

Antes do lançamento do álbum, a banda estava tocando para mais de 600 mil pessoas no meio do Hype Park em julho de 69 antes do celebre show do Rolling Stones. Mostraram ali uma pequena parte do turbilhão sonoro que viria. Ele chegou em outubro. Lançado pelo tradicional selo de origem jamaicana Island Records, o disco teve tal impacto que Pete Townshend o descreveu como uma obra-prima. Em cinco músicas arrebatadoras que tinham a força e o peso do rock inglês, além da suavidade e da orquestração do rock progressivo, a banda conta a história do transcedental do reino do rei escarlate.

Duas características do disco são fundamentais. A capa e as letras da música, já que é uma ópera-rock. O encarte completo é parte fundamental da história. Feito por um programador de sistemas amigo de Robert Fripp, guitarrista da banda. A capa mostra o Schizoid Man e na parte de dentro do encarte aparece o Crimson King, com sua expressão dúbia de tristeza e felicidade. Essas expressões resumem a música e o sentimento que a banda quer passar.

Na parte das letras, a peculiridade da banda era ter um membro para pensar apenas nisso. Peter Sinfield. Porém a banda inteira acabava participando do processo, o que se provou essencial para a densidade e honestidade na hora de gravar as músicas. Sinfield não subia ao palco, mas comandava ele. Foi ele que bolou e pôs em prática um sistema de iluminação revolucionário para a época e marcou os primeiros shows da banda.

Depois do lançamento do disco, a banda começou uma turnê pela Inglaterra e logo depois foram para os EUA. Foi então que a banda começou a desandar. O flautista e saxofonista Ian McDonald e o baterista Michael Giles insatifeitos com os rumos que a banda tomava pediram a conta e resolveram sair no meio da turnê. Começou assim uma sina que acomphou a banda até os anos 2000, nunca conseguiram manter uma formação por muito tempo. A última apresentação da primeira formação, que é considerada pelos críticos como a melhor, foi no lendário Fillmore West, na Califórnia em dezembro de 69.

Formação:
Robert Fripp - guitarra
Ian McDonald - flauta, clarineta, saxofone, teclados, mellotron
Greg Lake - baixo e vocal
Michael Gilles - bateria e percussão
Peter Sinfield - letras e iluminação
Barry Goldber - capa

Faixas:
01. 21st Century Schizoid Man
02. I Talk to the Wind
03. Epitaph
04. Moonchild
05. The Court of the Crimson King

King Crimson - In The Court Of The Crimson King

Caetano Veloso - Caetano Veloso (1971)

2010-11-30T15:21:00.008-02:00

Se os baianos já cantavam as saudades da Bahia morando no Rio de Janeiro e em São Paulo, imaginem como ficaram os que foram para a Europa! Depois que o governo militar resolveu libertar Gilberto Gil e Caetano Veloso da prissão de Realengo, em 69, eles foram para um período de exílio na Europa que durou até 1972. Estabelecendo residência em Londres, longe dos amigos e da agitação do tropicalismo, conseguiram manter um produção à altura de seus discos anteriores, mas as marcas da solidão londrina (mesmo dentro da ainda Swinging London) são profundas, principalmente neste disco de Caetano.

A abertura do disco já não deixa dúvidas sobre os sentimentos do baiano tropicalista. Em inglês, língua que usou oportunamente nesse disco em composições originais, Caetano consegue em versos simples e numa interpretação inspirada contar como saiu do Brasil e o que sentiu. "London, London" é umas das músicas do disco que virou obrigatória no repertório do artista durante os anos posteriores. Com um refrão inspiradíssimo, a letra, também em inglês, vai contando as impressões da nova cidade de Caetano.

Completa o primeiro lado do disco a outra saudade de Caetano: sua irmã Maria Bethania. Diz na letra para sua irmã que mandar notícias por cartas para fazê-lo mais feliz. Para dar um clima um pouco mais alegre, faz uma improvisação com 'Baião' de Alceu Valença. Virando o disco, a primeira música é "If You Hold A Stone" que acaba desaguando em outra música em português, desta vez, a versão de 'Marinheiro Só', de seu álbum anterior.

"In the hot sun of a christmas day" é a música mais impressionante do álbum. Ali, ele junta tudo e manda a pedrada certeira. A família, a mulher, a perseguição da ditadura, a saudade, o exílio em pouco mais de três minutos acompanhados de um baixo estremecedor, não há nenhum crédito aos músicos que gravaram as faixas com Caetano.

O Rei do Baião, em sua composição mais genial, é um lugar de visita fácil para o artista exilado. A interpretação é emocionante pelo momento, pelo arranjo e por tudo mais que poderia estar passando pela cabeça dele enquanto a gravava. Não é à toa que tem sete minutos.

O disco foi gravado em inglês pensando no mercado daquele país e lançado pelo selo Famous. Não obteve sucesso por lá, apesar das críticas positivas que obteve, sendo comparado até mesmo com Bob Dylan e Tim Buckley. Caetano não é da turma do folk, a comparação é pelo tom intimista do disco parecido com algumas gravações daqueles artistas. No Brasil, o disco foi melhor recebido, já que estava (e está) aqui toda a bagagem discursiva que faz esse disco ter sentido dentro de sua obra e dentro da sociedade que está inserido.

Faixas:

01. A Little More Blue

02. London, London

03. Maria Bethania

04. If You Hold A Stone

05. Shoot Me Dead

06. In The Hot Sun Of A Christmas Day

07. Asa Branca

Caetano Veloso - Caetano Veloso

The Velvet Undergound - The Velvet Underground & Nico (1967)

2010-11-25T15:00:00.001-02:00

Este é um texto que escrevi para um trabalho na faculdade.

Em 1967, o Velvet Underground era uma banda bem diferente de dois anos antes, quando foi formado. A primeira diferença: tocavam muito melhor que na época dos ensaios na garagem de Lou Reed. Tornaram-se profissionais. A segunda, e principal: foram descobertos por Andy Warhol, artista plástico e rei da parte mais glamurosa que a cidade de Nova Iorque podia oferecer.

Com a influência de Warhol, a banda conseguiu o contrato com a Verve Records e outras facilidades, mas também vieram certas imposições. A modelo e cantora alemã Nico, também gerenciada pelo artista plástico, foi uma delas. Além do papel de gerente, ele também é o autor da capa e, ao lado do lendário Tom Wilson, produtor, o que também leva sua influência para o som da banda. Apesar disso, existe uma controvérsia sobre a produção do disco e de qual foi a exata influência de Warhol no processo, porém ele foi o único que acompanhou a banda, como produtor, em todas as sessões de gravação ocorridas no ano de 1966.

A capa é tão antológica quanto as músicas presentes no álbum. Durante os anos 1960, as capas das melhores, ou nem tanto, bandas de rock aproveitavam cada parte do espaço disponível. Warhol abusa de toda sua capacidade de artista plástico para criar uma capa singular. O Lp original traz uma banana adesiva, com o convite para o dono “descasca-la” e por baixo, uma banana rosa descascada. A MGM, dona do selo Verve, precisou encomendar a impressão da capa em uma máquina especial, porém concordou com o gasto tendo em mente que qualquer álbum com uma capa assinada por Warhol venderia feito banana.

Considerado um dos pilares do rock’n’roll e inspiração para jovens das décadas posteriores, o álbum não atingiu esse status rapidamente. As vendas foram tímidas, não houve esforço da gravadora para divulgação e, para piorar, um processo do ator Eric Emerson, por uso de sua imagem sem seu consentimento na contracapa, obrigou a gravadora a recolher as cópias que encalhavam nas lojas.

O som experimental, usando instrumentos menos convencionais para o rock, era influência das experiências de John Cale, baixista. A celesta e o violino, o próprio Cale gravou o último, além de uma afinação com todas as cordas da guitarra de Lou Reed em ré são as peripécias mais celebradas do disco. A temática do álbum é, em quase sua totalidade, o ambiente que a banda estava inserida. Drogas, seu uso e como afetavam as pessoas que os rodeavam eram temas centrais, como em “I’m Waiting For The Man”, “Heroin” e “Run, run, run”. À pedido de Andy Warhol, Lou Reed escreveu “Femme Fatale” para a bela atriz Edie Sedgwick, que fazia parte do seu círculo amigos.

O álbum, considerado um dos melhores de estréia de uma banda de rock, influenciou o punk, uma década depois, de forma seminal. Tantos lançamentos impactantes no mesmo ano talvez tenham contribuído para a estréia do Velvet Underground ter sido pouco notada. Para o ano seguinte, a banda desfez seu vínculo com Warhol e, consequentemente com Nico. Porém, o desejado sucesso comercial nunca veio instantaneamente para o VU, eles foram muito mais que isso.

Faixas:

1."Sunday Morning"
2."I'm Waiting for the Man"
3."Femme Fatale"
4."Venus in Furs"
5."Run Run Run"
6."All Tomorrow's Parties"
7."Heroin"
8."There She Goes Again"
9."I'll Be Your Mirror"
10."The Black Angel's Death Song"
11."European Son"

Formação:

John Cale – viola, piano, celesta on "Sunday Morning", baixo, vocais de apoio
Sterling Morrison – guitarra, baixo, vocais de apoio
Nico – chanteuse, voz em "Femme Fatale", "All Tomorrow's Parties" and "I'll Be Your Mirror"; vocais de apoio "Sunday Morning"
Lou Reed – vocaz, guitarra
Maureen Tucker – percussão

Zabriskie Point Soundtrack (1970)

2010-10-31T21:14:00.007-02:00

Uma amiga outro dia me disse sobre um filme que usava a indústria cinematográfica para combater os valor sociais vigentes, inclusive aqueles que sustentam a prória indústria. Usava o sistema para combater o próprio sistema. Teria concordado com ela se o filme fosse Zabriskie Point. Para finalizar essa série de trilhas sonoras, volto a trazer Michelangelo Antonioni, novamente num filme para a MGM, o segundo dos três que o diretor italiano fez em lingua inglesa.

Assim como em 1966 Antonioni retratou a Inglaterra, Londres mais precisamente, partindo de um recorte social, neste filme que foi lançado em 1970, depois de dois anos de produção, o diretor italiano tentou a mesma tática com os EUA. A contra-cultura aqui é muito mais exposta e debatida que na produção anterior do cineasta, alguns críticos escreveram à época que as cenas eram caricatas e muito superficiais. Hoje considerado um filme cult, deu prejuízo para o estúdio, deixou o próprio diretor insatisfeito pelos percausos durante as filmagens e produção mas deixou, além de um marco no cinema feito no século passado, uma trilha sonora incrível.

Ao contrário do que havia feito na trilha sonora de Blow Up, quando entregou a produção da trilha à Herbie Hancock, desta vez Antonioni tentou agrupar, inspirado na trilha sonora de Easy Rider, canções que estavam na cabeça daquela geração e fez mais, ao colocar Patti Page, cantora dos anos 50, na trilha. "Tennessee Waltz", uma canção completamente inserida no modo de vida estadunidense do conservadorismo da era Eisenhower se destaca pelo contraste com Jerry Garcia e Pink Floyd.

Os filmes de Antonioni são perfeitos quando casam a extraordinária fotografia com as músicas. Cada uma é cuidadosamente colocada ali, cada momento é único, nada é à toa. A sequência final do filme com a música "Come In Number 51, Your Time Is Up" é devastadora. A regravação do Pink Floyd para "Careful With The Axe, Eugene", um lado b de 1968, entra na sequência final tão poderosa quanto a explosão da casa no Death Valley e, talvez, mais ainda que a explosão que o filme causou nas mentes das pessoas daquela geração.

Outras bandas menos conhecidas como The Youngbloods e Kaleindoscope marcam presença para uma levada folk que acaba se tornando maioria do disco da trilha sonora. Além deles, completam o time folk Roscoe Holcomb e John Fahey, representando uma ala mais tradicional do gênero. Os Rolling Stones têm "You Got The Silver" no filme, mas não da trilha. Um pena, problema entre gravadoras. Outro do tipo foi o que impediu o uso de "L´America" do Doors, feita especialmente para o filme. Essa música acabou nem entrando no filme.

Nessa postagem chego ao final dessa série, que era para ter durado apenas uma semana em junho e se estendeu até agora por pura falta de tempo para escrever aqui. Em dezembro e janeiro, além das postagens habituais sobre discos pretendo algumas gracinhas a mais e espero não sofrer com pouco tempo.

Faixas:

1.Pink Floyd – "Heart Beat, Pig Meat"
2.Kaleidoscope – "Brother Mary"
3.Grateful Dead – "Dark Star" (excerpt)
4.Pink Floyd – "Crumbling Land"
5.Patti Page – "Tennessee Waltz"
6.The Youngbloods – "Sugar Babe"
7.Jerry Garcia – "Love Scene"
8.Roscoe Holcomb – "I Wish I Was a Single Girl Again"
9.Kaleidoscope – "Mickey's Tune"
10.John Fahey – "Dance of Death"
11.Pink Floyd – "Come in Number 51, Your Time Is Up"

Hair Original Soundtrack (1979)

2010-10-03T11:11:00.007-03:00

Inspirada, não copiada. A versão cinematográfica de Hair, musical de 1968 que obteve estrondoso sucesso na Broadway, tem algumas diferenças de roteiro para a versão teatral, algumas, inclusive, que desagradaram os roteristas da peça original. Não vou me alongar no assunto, até porque está chegando ao Rio de Janeiro uma montagem brasileira do espetáculo original, então você vai poder ir lá no teatro Casa Grande, no Leblon, a partir de cinco de novembro e conferir. Gostam tanto de copiar os musicais estadunidenses por aqui que é impossível errar a mão em todas. Em 1969, menos de um ano depois da instauração do AI-5, aconteceu a primeira montagem brasileira do espetáculo. Um marco para o teatro nacional.

Todas as composições que aparecem no disco são as originais de 68. Galt MacDermot, Gerome Ragni e James Rado são os compositores das músicas, mas não consegui a informação de quem as gravou para o filme. Sem essa informação, esse disco nem deveria aparecer aqui, mas por motivos expressamente afetivos não pode faltar no finalzinho dessa série. As letras carregam todo peso político e social de uma Nova Iorque do final dos anos 60, com uma juventude ceifada e aterrorizada por uma guerra sanguinária do outro lado do mundo. A liberdade contra-cultural, que é o grande legado daquela geração, é mostrada com todo frescor e intensidade para rebater tudo o que poderia aflingir aqueles jovens.

Uma lição, em contextos gerais, de como ser jovem para o resto do mundo em qualquer tempo após os anos 60. O filme existe completo no youtube, sem legenda em português, para o deleite daqueles que ainda não tiveram a oportunidade e o prazer de revê-lo para os demais.

Faxias:

Aquarius (4:47)
Sodomy (1:29)
Donna / Hashish (4:20)
Colored Spade (1:33)
Manchester, England (1:57)
I'm Black / Ain't Got No (2:24)
Party Music (3:25)
My Conviction (1:47)
I Got Life (2:15)
Hair (2:42)
L.B.J. (Initials) (1:07)
Electric Blues / Old Fashioned Melody (3:53)
Hare Krishna (3:24)
Where Do I Go? (2:48)
Black Boys (1:11)
White Boys (2:35)
Walking In Space (6:13)
Easy To Be Hard (3:39)
3-5-0-0 (3:49)
Good Morning Starshine (2:24)
What A Piece Of Work Is Man (1:39)
Somebody To Love (4:12)
Don't Put It Down (2:25)
The Flesh Failures / Let The Sunshine In (6:04)

Hair Original Soundtrack

Trilha Sonora do filme Deus e o diabo na terra do sol (1964)

2010-09-13T08:58:00.007-03:00

O maior cineasta brasileiro não poderia faltar nesta série. Numa de suas produções mais marcantes, a trilha sonora é assinada por Sergio Ricardo, que o próprio diretor apresenta e justifica a escolha do sambista para compor a trilha sonora. Ninguém melhor que o próprio Glauber Rocha para apresentar o álbum.

DEUS E O DIABO NA TERRA DO SOL

cancioneiro do nordeste
composto e interpretado por
SERGIO RICARDO

Letras de
GLAUBER ROCHA

O cego Zé, guiado apenas por seu primo Pedro das Ovelhas, me disse que ele cantava para não perder o juízo; pegava o cavaquinho e, voz de angústia, furando as tardes de Monte Santo, invocava amores perdidos e crimes terríveis.

Quem anda pelo sertão conhece bem um cantador -- velho e cego (que cego vê a verdade no escuro e assim canta o sofrimento das coisas) bota os dedos no violão e dispara nas feiras, levando de feira em feira e do passado para o futuro, a legenda sertaneja: história e tribunal de Lampião, vida, moralidade e crítica. Na voz de um cantador está o "não" e o "sim" -- e foi através dos cantadores que achei as veredas de Deus e o Diabo nas terras de Cocorobó e Canudos.

Sou mau cantador -- sem ritmo e sem memória, fiquei por tempos a ruminar e reinventar a essência das coisas que tinha ouvido -- e um enorme romance em versos nasceu, impuro e rude, narrando o filme. Acabando o trabalho, pronta a montagem, restavam imagens neutras, mortas, que necessitavam da música para viver: eram imagens do romanceiro transcrito. Todo o episódio de "Corisco", por exemplo, nasceu das cantigas que ouvi cantar em vários lugares diferentes e, dispensada a música, perderia um significado maior.

Sérgio Ricardo, embora seja sambista com mistura de morro e asfalto, tem paixão pelo nordeste, tem a vantagem de ser cineasta e sabe que música de filme é coisa diferente: tem de ser parte da imagem, ter o ritmo da imagem, servir (servindo-se) à imagem.

Começamos o trabalho. Dei as letras -- nas quais usei muitos versos autênticos do povo -- e Sérgio começou a compor. Tinha seus vícios de "arranjos"; discutimos que o negócio tinha de ser "puro". Sérgio ouviu péssimas gravações do cego Zé e do seu primo Pedro: pegou e matutou o tom. Cortamos certos versos, fizemos outros: Sérgio deu uns palpites nas letras e eu, mau cantador, dei palpites na música. E ensaiamos pra valer na hora da gravação. Transformei Sérgio em ator -- gritei, ele ficou nervoso, deixou os preconceitos e soltou a voz e os dedos do violão. Depois de vários dias a noites a banda sonora estava gravada.

Acho que o cinema brasileiro tem, nas origens de sua linguagem, um grande compromisso com a música -- o nosso triste povo canta alegre, uma terrível alegria de tristeza. O samba de morro e a bossa nova, o romanceiro do nordeste e o samba de roda da Bahia, cantiga de pescador e Villa-Lobos -- tudo vive desta tristeza larga, deste balanço e avanço que vem do coração antes da razão.

Uma das mais belas imagens do nosso cinema é, por isso, aquela de Grande Othelo, em "Rio Zona Norte", cantando um samba de Zé-Keti. É assim que nossa música no cinema funcionará sempre como a explicação profunda da alma brasileira.

Glauber Rocha

Trilha Sonora do filme Deus e o diabo na terra do sol

The Great Rock'N'Roll Swindle Soundtrack (1979)

2010-09-01T10:25:00.007-03:00

Não existe trilha sonora como esta, nenhuma outra banda poderia chegar a tal resultado. Com todo o respeito ao meu Olímpo das bandas de rock, onde o Sex Pistols não está, nenhum componente da minha mitologia roqueira tem a descaralhação necessária para chamar Ronald Biggs, o ladrão mais famoso do mundo, para uma participação no filme e em duas faixas da trilha.

O interessante no álbum são as versões que os Pistols estavam acostumados a tocar ao vivo, as duas primeiras faixas que se enquadram nesse contexto são Johnny B. Goode (Chuck Berry) e Road Runner (Jonathan Richman, do Modern Lovers), completamente erráticas e caóticas, refletem o modo de viver da banda e daqueles que seguiam o punk. Para Substitute, do The Who, vem a primeira versão razoavelmente bem gravada e sóbria, e claro que não poderiam deixar de mandar um recado para Pete Townshend: "We don't ask permission for anything".

"C'mon Everybody" e "Rock Around The Clock" são outros dois clássicos do rock desconstruídos com toda sagacidade da banda, o último com vocais do inglês Edward Tudor-Pole, um amigo da banda. Em gravações pouco diferentes do álbum Never Mind The Bollocks, as músicas icônicas voltam em novas versões, como God Save The Queen e Anarchy In The UK. Além de faixas com o vocal de Biggs, No One Is Innocent.

Faixas:
1- God Save The Queen 2- Johnny B. Goode 3- Road Runner 4- Black Arabs 5- Anarchy In The U.K. 6- Substitute 7- Don't Give Me NoLip Child 8- (I'm Not Your) Stepping Stone 9- L'anarchie pour le U.K. 10- Belsen Was A Gas 11- Einmal Belsen War Wirflich Bortreflich (Belsen Vosa Gassa) 12- Silly Thing 13- My Way 14- I Wanna Be Me 15- Something Else 16- Rock Around The Clock 17- Lonely Boy 18- No One Is Innocent 19- C'Mon Everybody 20- EMI 21- The Great Rock 'N' Roll Swindle 22- Friggin' The Riggin' 23- You Need Hands 24- Who Killed Bambi?

The Watchmen Soundtrack (2009)

2010-08-30T10:48:00.008-03:00

Perto dos filmes postados aqui até agora, Watchmen é insignificante. Passaria totalmente desapercebido. Porém uma trilha sonora que traz Leonard Cohen, Bob Dylan, Jimi Hendrix Experience, Simon & Garfunkel e muitos outros grandes aritistas com ótimas músicas não pode ser descartada.

O disco começa com uma versão inusitada de Desolation Row pelo My Chemical Romance, banda emo que, com bastante razão, pouca gente leva a sério. Passado o susto inicial, Nat King Cole chega com sua elegância ímpar no piano com Unforgettable. Mr. Zimmerman, a dupla de poetas do Greenwich Village e a melhor cantora branca de blues em todos os tempos fazem uma sequência excepcional para uma coletânea com diversos artistas. A KC & The Sunshine Band aparece com um de seus maiores sucessos, I'm Your Boogie Man. Junto com Billie Holiday e o Philip Glass Essemble, a Sunshine prepara o terreno para o final avassalador do álbum.

A versão original da lendária Hallelujah por Leonard Cohen abre a sequência final, seguida pela principal versão (cover) da história do rock. All Along The Watchtower brilhantemente interpretada pelo Jimi Hendrix Experience. A interpretação pela Orquestra Sinfônica de Budapeste para a Cavalgada das Valquírias (Walkürenritt, no alemão original) de Richard Wagner aparece de forma realmente surpreendente. Essa passagem, na verdade o terceiro ato da ópera A Valquíria (Die Walküre) ficou consagrada na história do cinema no filme Apocalypse Now, na cena onde helicópteros bombardeiam uma vila praiana em plena guerra do Vietnã.

A última faixa traz a diva Nina Simone interpretando a versão em inglês de outra ópera alemã. Desta vez, a música é Pirate Jane (Seeräuberjenny) da ópera Die Dreigroschenoper (The threepenny opera) que é assinada pelo teatrólogo Bertolt Brecht e pelo compositor Kurt Weill. A versão em inglês interpretada por Simone tem estrofes com tradução ligeiramente modificada para que a métrica não fosse prejudicada. A faixa foi retirada do disco de 1964 Nina Simone In Concert, gravado ao vivo no Carnigie Hall, em Nova Iorque. Na época, a cantora utilizava a música em suas apresentações com o viés político da luta do negros pelos direitos civis.

No geral, a compilação e o modo como as músicas se encaixam no filme, em boa sincronia de emoções e ações, fazem o álbum uma interessante trilha sonora.

Faixas:

1. My Chemical Romance - “Desolation Row” (a Bob Dylan cover)

2. Nat King Cole - “Unforgettable”

3. Bob Dylan - “The Times They Are A-Changin’”

4. Simon & Garfunkel - “The Sound of Silence”

5. Janis Joplin - “Me & Bobby McGee”

6. KC and the Sunshine Band - “I’m Your Boogie Man”

7. Billie Holiday - “You’re My Thrill”

8. Philip Glass Ensemble - “Pruit Igoe & Prophecies”

9. Leonard Cohen - “Hallelujah”

10. The Jimi Hendrix Experience - “All Along the Watchtower”

11. Budapest Symphony Orchestra - “Ride of the Valkyries”

12. Nina Simone - “Pirate Jenny"

The Watchmen Soundtrack

I'm Not There Soundtrack (2007)

2010-08-15T15:21:00.006-03:00

Nos últimos anos ainda não notei nenhuma trilha sonora tão boa quanto esta. Claro que o repertório ajuda, e muito. Diversos artistas fizeram uma releitura dos mais de 40 anos de carreira de um dos maiores músicos populares do século XX, que é tão surpreendente e intensa quanto o filme de Todd Haynes.

O grande barato do álbum é a reunião de grandes nomes da música estadunidense desde os veteranos Richie Havens e Ramblin' Jack Elliot até The Black Keys, Calexico e Charlotte Gainsbourg. Destaque também para a participação de Yo La Tengo, com I Wanna Be Your Lover, e do The Hold Steady, com uma interpretação memorável de Can You Please Crawl Out Your Window.

As parcerias concebidas especialmente para o disco também são marcantes. A The Million Dollar Bashers foi especialmente formada para acompanhar os artistas "sem banda". Formada por Lee Ranaldo e Steve Shelley, respectivamente guitarrista e baterista do Sonic Youth. Além de Nels Cline, guitarrista do Wilco, Tom Verlaine, guitarrista do Television. Completam o time os músicos da banda do próprio Bob Dylan, Tony Garnier, baixo, Smokey Hormel, guitarrista, e John Medeski, tecladista. Com essa formação, a banda ataca versões de All Along The Watchtower com Eddie Vedder e Ballad Of A Thin Man com Stephen Malkmus, além de outras excelentes participações. Além dessas, Jim James gravou com o Calexico uma versão inspirada para Goin' to Acapulco e Roger McGuinn, velho amigo de Dylan, e também com o Calexico, mandou ver em One More Cop Of Coffee.

O disco ainda reserva agradáveis surpresas, como a versão Knockin' On Heavens Door do Anthony & The Johnsons e ainda o menino Marcus Carl Franklin, que interpreta uma das facetas de Dylan no filme, com When The Ship Comes In. O disco termina com chave de ouro com a versão da música-título do filme. I'm Not There (1956) gravada com a The Band em 1967 e que não foi usada no disco de 1972, o Basement Tapes, finalmente viu a luz do sol.

Faixas:

Disco 1:

1. All Along the Watchtower - Eddie Vedder & The Million Dollar Bashers
2. I’m Not There - Sonic Youth

3. Goin’ To Acapulco - Jim James & Calexico

4. Tombstone Blues - Richie Havens

5. Ballad Of a Thin Man - Stephen Malkmus & The Million Dollar Bashers

6. Stuck Inside Of Mobile With the Memphis Blues Again - Cat Power

7. Pressing On - John Doe

8. Fourth Time Around - Yo La Tango

9. Dark Eyes - Iron & Wine & Calexico

10. Highway 61 Revisited - Karon O & the Million Dollar Bashers

11. One More Cup Of Coffee - Roger McGuinn & Calexico

12. Lonesome Death Of Hattie Carroll, The - Mason Jennings

13. Billy 1 - Los Lobos

14. Simple Twist Of Fate - Jeff Tweedy

15. Man In the Long Black Coat - Mark Lanegan

16. Senor (Tales Of Yankee Power) - Willie Nelson & Calexico

Disco 2:

1. As I Went Out One Morning - Mira Billotte

2. Can’t Leave Her Behind - Stephen Malkmus & The Bashers

3. Ring Them Bells - Sufjan Stevens

4. Just Like a Woman - Charlotte Gainsbourg & Calexico

5. Mama, You’ve Been On My Mind - Jack Johnson

6. I Wanna Be Your Lover - Yo La Tango

7. You Ain’t Goin’ Nowhere - Glen Hansard & Marketa Irglova

8. Can You Please Crawl Out Your Window? - The Hold Steady

9. Just Like Tom Thumb’s Blues - Ramblin’ Jack Elliott

10. Wicked Messenger, The - The Black Keys

11. Cold Irons Bound - Tom Verlaine & the Millions Dollar Bashers

12. Times They Are a Changin’, The - Mason Jennings

13. Maggie’s Farm - Stephen Malkmus & The Million Dollar Bashers

14. When the Ship Comes In - Marcus Carl Franklin

15. Moonshiner - Bob Forrest

16. I Dreamed I Saw St. Augustine - John Doe

17. Knockin’ On Heaven’s Door - Antony & The Johnsons

18. I’m Not There - Bob Dylan with The Band

Easy Rider Soundtrack (1969)

2010-08-03T23:16:00.007-03:00

Provavelmente, de todas as trilhas sonoras que postarei aqui nas próximas semanas, as músicas de Easy Rider, clássico de 1969, são as que melhor expressam os sentimentos não apenas dos protagonistas, brilhantemente interpretados por Peter Fonda e Dennis Hooper, como também das pessoas inseridas no contexto social daquela época, principalmente em relação ao ideal de liberdade, sempre alardeado pelo modelo de vida estadunidense.

Quando a juventude da década de 60 nos EUA começou, principalmente nas grandes cidades, a viver uma nova espécie de "novo sonho americano", começaram a mudar certos paradigmas enraizados na sociedade. A questão da liberdade é claramente abordada no filme de forma antagônica ao "clássico" ideal de formar uma família, morar numa casa de subúrbio com o gramado verdinho e um emprego fixo. A relação dessa juventude, contra-cultural e despojada, e a grande parcela conservadora e preconceituosa da população daquele país, principalmente fora das grandes cidades, é o principal tema do filme. O final traz um grande anti-clímax, quando os dois protagonistas viram alvo dos tiros de camponeses numa pequena estrada do sul dos EUA, o que seria uma alegoria para a derrota da contra-cultura graças aos esforços das forças conservadoras, simbolizadas pelos caipiras sulistas.

A trilha sonora resume essa e várias outras facetas expostas no filme de forma extraordinária. O rock estadunidense é quase absoluto, considerando o Jimi Hendrix Experience uma banda britânica. Assim como no filme, o Steppenwolf abre o álbum com as icônicas "The Pusher" e "Born To Be Wild", que representam, respectivamente, a relação daquela geração com as drogas e o novo ideal de liberdade que surgiu e se espalhou pelos jovens de todo país.

A espetacular canção "The Weight", composta por Robbie Robertson, do The Band, está presente na versão da banda Smith, graças a problemas contratuais entre gravadoras. Três bandas pouco conhecidas naquela época tiveram suas músicas incluídas na trilha: The Holy Modal Hounders, Fraternity Of A Man e The Electric Prunes. A última teve sua música incluída na cena do carnaval de rua de Nova Orleães, o Mardi Gras, e na cena seguinte quando os protagonistas experimentam LSD num cemitério da cidade.

Os grandes momentos do álbum ficam por conta de "Wasn't Born to Follow", que se encaixa perfeitamente na posição vanguardista daquela geração e do filme. Além de "If Six Was Nine" do Jimi Hendrix Experience que toma uma posição individualista em relação ao resto da sociedade.

O álbum termina com Roger McGuinn, vocalista do The Byrds, interpretando "It's Alright, Ma (I'm Only Bleeding)" do "poeta da América" Bob Dylan, que não podia faltar na trilha sonora de um filme como esse, e "Ballad Of Easy Rider" composta especialmente para o filme, por Dylan, que escreveu somente a primeira linha, e Roger McGuinn.

Faixas:

1. The Pusher

2. Born To Be Wild

3. The Weight

4. Wasn't Born to Follow

5. If You Want To Be A Bird (Bird Song)

6. Don't Bogart me

7. If 6 Was 9

8. Kyrie Eleson/Mardi Gras

9. It's Alright, Ma (I'm Only Bleeding)

10. Ballad Of Easy Rider

Easy Rider Soundtrack

Blow Up Soundtrack (1966)

2010-07-30T20:23:00.004-03:00

Finalmente vou começar uma série de postagens que há muito tempo venho imaginando para o blogue. Duas artes que, desde que juntaram-se, nunca mais se separaram e transmitem as mais diferentes emoções, muitas vezes sem legenda ou tradução, para platéias do mundo inteiro. O cinema, quando ainda mudo, era "sonorizado" ao vivo por um piano na própria sala de projeção. Com o advento do aúdio sincronizado com o filme, músicas começaram a ser editadas ou então especialmente compostas para determinada película ou cena em especial. A reunião dessas músicas em disco, as trilhas sonoras, passaram a ser mais um produto que os estúdios cinematográficos passaram a explorar. Nesta série tentarei mostrar não apenas trilhas de filmes ou músicos consagrados mas como imagem e som encaixam-se de forma espetacular, além, é claro, de viajar pelo tempo e por diversos gêneros musicais.

Para o clássico de 1966 de Michelangelo Antonioni, que mostra o cotidiano de um fotógrafo na Londres dos anos 60 e como ele se envolve num crime cometido em um parque, Herbie Hancock volta aos EUA para recrutar o melhor do Jazz de Nova Iorque. Com Freddie Hubbard, Joe Henderson, Ron Carter e Jack DeJohnette, Hancock entrou no estúdio com a intenção de recriar o clima da Swinging London através do groove do Jazz, Funk e Blues. O trabalho do então jovem Herbie Hancock é primoroso, mas a trilha não seria completa sem uma banda inglesa. Apaixonado pela intensidade do Who, principalmente quando Pete Townshend destruia sua guitarra no palco, eles foram a primeira opção do diretor. Com a recusa, Antonioni sondou os estadunidenses do Velvet Underground, que não puderam ir pra Inglaterra, pois estavam mais duros que um côco. Então, Antonioni resolveu chamar os Yardbirds, que na ocasião contava com Jimmy Page e Jeff Beck como guitarristas, inclusive com direito a uma cena antológica dentro de um clube em plena Carnaby Street. A música executada pela banda, Stroll On, é uma versão para "Train Kept-A-Rollin' ". Gravada exclusivamente para o filme, essa versão é muito melhor que a presente no disco BBC Sessions.

Alternando temas de três ou quatro minutos com passagens curtas de menos de 2 minutos, Hancock consegue retratar toda a intensidade e suspense do filme em suas partituras. A edição em CD ainda disponibiliza duas faixas da banda Tomorrow, que não foram usadas no filme.

Faixas:

1. Main Title

2. Verushka Pt.1

3. Verushka Pt.2

4. The Naked Camera

5. Bring Down The Birds 6. Jane's Theme

7. Stroll On (The Yardbirds)

8. The Thief

9. The Kiss

10. Curiosity

11. Thomas Studies Photos

12. The Bed

13. End Title 'Blow Up'

14. Am I Glad To See You?

15. Blow Up

Formação:

Herbie Hancock: piano
Freddie Hubbard: trompete
Joe Newman: trompete
Phil Woods: Sax alto
Joe Henderson: Sax tenor
Jimmy Smith: órgão
possivelmente Paul Griffin: órgão
Jim Hall: guitarra
Ron Carter: baixo
Jack DeJohnette: bateria

The Yardbirds:

Jeff Beck: guitarra
Jimmy Page: guitarra
Keith Relf: gaita, vocais
Jim McCarty: bateria
Chris Dreja: baixo

Blow Up Soundtrack

Maquinado - Mundialmente Anônimo O Magnético Sangramento da Existência (2010)

2010-07-23T13:31:00.004-03:00

Lucio Maia não é apenas o guitarrista da Nação Zumbi, como se isso fosse pouco. Ele é um músico extremamente preocupado com arranjos, produção, incorporação de influências brasileiras e muitas outras coisas que eu nem imagino. Nesse segundo disco de seu projeto, além de estabelecer uma formação padrão para a banda, Lucio e seus bluecaps foram capazes de misturar influências como Jorge Ben, ídolo do guitarrista, com música eletrônica, maracatu e afrobeat.
As músicas que abrem o disco, além de trazerem as homenagens rendidas a Ben, também mostram a bandeira da causa negra no Brasil, servindo como uma voz de protesto de Maia em relação a duas figuras do período de luta contra a escravidão no país, Zumbi e Dandara. Há também espaço para a regravação da espetacular canção "Super Homem Plus", do Mundo Livre S/A, numa versão que, pelo menos pra mim, é melhor que a original. Talvez pelo andamento do ritmo e a percussão mais elaborada. Em "Tropeços Musicais", a voz do guitarrista dá espaço para a única convidada do disco, Lourdes da Luz, do Mamelo Sound System, faixa onde a banda coloca toda sua veia hip-hop à mostra.
O álbum é encerrado com a caótica homenagem à paulicéia desvairada "SP". Com guitarras e percussão misturando-se de forma experimental, Lucio Maia coloca toda sua criatividade a funcionar nesse álbum que torna o Maquinado um projeto com a grandeza proporcional a um dos principais músicos e compositores do país nos dias de hoje. Nas faixas bônus disponíveis no sítio da banda, destaco a espetacular versão para "Are You Experienced?" do Jimi Hendrix Experience.

Faixas:

Zumbi
Dandara
Bem Vinda ao Inferno
Super Homem Plus
Tropeços Tropicais
Pode Dormir
Provando a Sanidade
Recado ao Pio, Extensivo ao Lucas
Girando ao Sol
SP

Download grátis no sítio oficial da banda

Reginaldo Rossi - Reginaldo Rossi (1971)

2010-07-21T14:36:00.003-03:00

Um dos artistas mais estereopotizados do Brasil, Reginaldo Rossi, O Rei, chegou em 1971 a seu quinto álbum, segundo pela CBS. Hoje, com quase cinquenta anos de carreira, Rossi é dono de uma discografia numerosa e de muito sucesso de vendas. É um dos artistas que melhor mostra o nordeste brasileiro em uma de suas muitas facetas.
Até o início do anos 70, Reginaldo Rossi era adepto da Jovem Guarda e já tinha marcado seu nome durante os anos 60 como o expoente nordestino do gênero. Nesse Lp, Reginaldo traz como principal composição a clássica e chacoalhadora 'Tô doidão'. O grande problema de postar um disco desses, ou seja, brasileiro e de pouco é que o texto fatalmente será curto e pobre de detalhes. O disco não tem informações interessantes no encarte, principalmente que toca o órgão nas faixas. O instrumento marca de forma significativa a maioria das melodias e é muito bem executado. Outra faixa de destaque é 'Gênio Cabeludo', referencia a Bethoveen. Reginaldo é muita cultura!

Faixas:

01. Tô Doidão

02. Uma Alegre Canção

03. Ainda Amo Você

04. Um Bem Maior

05. O Gênio Cabeludo

06. O Paquerador

07. Estou Chegando Pra Ficar

08. Aquela Triste Canção

09. Toda A Minha Vida

10. Hoje A Noite Vou Sair

11. É Mentira

12. Ainda Amo Você

Reginaldo Rossi - Reginaldo Rossi

The Black Keys - Brothers (2010)

2010-07-16T22:03:00.006-03:00

Depois de mais de um mês de férias do "brog" volto com a carga máxima e a prova disso é o disco escolhido para a reestréia. O sexto disco dupla estadunidense Black Keys é arrebatador, mostra com quantos paus se faz uma canoa no rock/blues do século XXI e coloca o nome de Dan Auerbach entre os melhores letristas e guitarristas de seu tempo.
O álbum é recheado de referências à história do blues, principalmente a Howlin' Wolf, começando pela capa, uma homenagem clara ao disco do Grande Lobo de 1969. A segunda referência (reverência?) a Chester Burnett é a faixa 'Howlin' for you', que traz de volta todo o jeito peculiar do blues de paquerar um mulher e chorar as mágoas dos amores não correspondidos.
A faixa de abertura, 'Everlasting Light', mostra a levada com influências do Soul e do Hip-hop, resultados da experiência do baterista Patrick Carney, em seu projeto BlakRoc, durante o hiato da dupla em 2009. Auerbach também trouxe influências de seu disco solo, Keep It Hid, além de maturar toda a carreira da banda. 'Next Girl' faz o papel de preparar os tímpanos do ouvinte para duas pedradas que são 'Tighten Up', com o assovio marcante do vocalista, e a já citada 'Howlin' for you'.
Eu queria falar sobre cada faixa em separado mas como já está tarde (01:52) e o texto ficaria muito mais chato do que já está, prefiro apontar as faixas que vão ficar ecoando na sua cabeça com apenas uma audição, além das já comentadas. 'Black Mud', instrumental, densa e possivelmente uma referência ao negro Mud do Mississippi, pai do blues de Chicago, que todo mundo conhece. 'Too Afraid To Love You' e 'Ten Cent Pistol' formam outra sequência interessante no álbum, com andamentos lentos, para o padrão da banda, e a temática de medo do amor e pistolas de dez centavos encaixando-se muito bem.
O final do álbum começa a se desenhar com 'Never Gonna Give You Up' que bebe na fonte do R&B dos anos 60 e ajuda a mostrar o leque aberto pela dupla bem de baixo do nariz do feliz ouvinte que comprou o disco. Falando nisso, o meu acetato dessa papita está em algum ponto do planeta a caminho da minha residência, depois tenho que acertar as contas com the mama & the papa.

Formação:

Dan Auerbach - vocalista e guitarrista

Patrick Carney - baterista

Faixas:

01. Everlasting Thing

02. Next Girl

03. Tighten Up

04. Howlin' For You

05. She's Long Gone

06. Black Mud

07. The Only One

08. Too Afraid To Love You

09. Ten Cent Pistol

10. Sinister Kid

11. The Go Better

12. I'm Not The One

13. Unknown Brother

14. Never Gonna Give You Up

15. These Days

Orquestra Contemporânea de Olinda - Orquestra Contemporânea de Olinda (2008)

2010-05-26T12:43:00.008-03:00

Não costumo fazer postagens relacionadas em sequência, mas este caso é especial. O disco logo abaixo traz um clássico da música brasileira: "Canto da Sereia". Faixa esta, brilhantemente regravada pela sensacional Orquestra Contemporênea de Olinda (OCO), uma das grandes novidades brasileiras neste fim de década. Oswaldo Nunes deveria estar entre nós para poder colocar toda a potência de sua voz à frente da OCO.
Além da faixa de Oswaldo Nunes, "O Samba É Bom", de Zé Cobrinha; "Não Interessa Não", de Luiz Bittencourt e Zé Menezes, e muito material autoral fazem o repertório do disco de estréia dessa "big band". Formada pelo percussionista Gilú com uma tradicional formação de bandas de rock, baixo-bateria-guitarra-baixo elétrico-percussão, misturando com uma seção de metais, típica das bandas de soul, seção essa, formada por alunos do Grêmio Musical Henrique Dias, uma escola profissionalizante para música em Olinda. O som desse verdadeiro coletivo é uma sensacional mistura de ritmos afrobeat, ritmos pernambucanos e samba.
O álbum foi lançado numa das festas roNca-roNca de 2008, não me lembro exatamente da data, só que estava chovendo muito e foi uma loucura. O sucesso da banda foi tamanho, que conseguiram viajar o Brasil inteiro levando o disco na bagagem, tacando em grandes casas de espetáculos das grandes cidades e nos principais festivais do circuito brasileiro. Além do sucesso em âmbito nacional, o grupo acaba de voltar de uma turnê de sete apresentações pelos EUA, tocando em cidades como Nova Iorque, Washington e Nova Orleans.
Assim, a expectativa é grande para o próximo lançamento da banda, que, até onde consegui apurar, não tem data de lançamento. A orquestra é uma das grandes aparições neste fim de década na música brasileira.

Faixas:

Tá Falado

Canto da Sereia

Ladeira

Joga Do Peito

Brigitti

Balcão da Venda

Durante o Carnaval

Não Interessa Não

Vinheta

Saúde

Saúde II

Formação:

Gilú

Tiné

Maciel Salú

Juliano Holanda

Hugo Gila

Raphael Beltrão

Maestro Ivan Do Espírito Santo

+ rapaziada do Grêmio Henrique Dias

Orquestra Contemporânea de Olinda - Orquestra Contemporânea de Olinda

Oswaldo Nunes & The Pop's - Tá Tudo Aí (1969)

2010-05-21T16:01:00.009-03:00

Homossexual, negro, sambista, malandro da Lapa e uma das figuras marcantes do lendário bloco de carnaval Bafo da Onça. Oswaldo Nunes é uma das figuras mais marcantes que já passaram pelo boêmio e, à sua época, perigoso bairro carioca. Morador do bairro, enquanto passava de emprengo a emprego, conheceu figuras como Madame Satã e vários sambistas que o levavam aos barracões das escolas de samba, onde Oswaldo começou a enveredar sua vida para o gênero musical.
Nesse LP, primeiro de sua carreira, Oswaldo traz toda sua influência do samba e junto com o The Pop's entra na alçada do rock. Vindos do bairro do Jacaré, Zona Norte do Rio de Janeiro, e hoje em dia um dos lugares mais perigosos da cidade, esse grupo instrumental acompanhou várias estrelas da Jovem-Guarda, como Erasmo Carlos e Wanderléia em apresentações ao vivo. Porém, é com Oswaldo Nunes que o grupo atinge o máximo da experimentação em sua carreira, e também, é o único artista que eles acompanharam em estúdio.
Já com dois membros originais fora da banda; J. Cesar, guitarrista, e Parada, baterista, sairam da banda em 67 e 68, respectivamente. O The Pop's gravou um disco revolucionário para o samba. Antes de Jorge Ben chegar com seu aclamadíssimo África Brasil (1976), Oswaldo Nunes colocou o samba de pernas pro ar.
Entre a imitação do som de um berimbau pelo guitarrista da banda, não sei exatamente a formação utilizada pelo The Pop's nas gravações, que abre o disco em "Tá tudo aí!" até a clássica "Canto da Sereia", o disco é recheado de ritmos como forró, baião, samba e rock'n'roll.
Mesmo na contra-capa do LP não existem informações precisas das gravações ou da formação do The Pop's. Para minha sorte, consegui garantir minha cópia desse disco revolucionário da música brasileira.

Faixas:

Lado A

01 - Tá Tudo Aí (Oswaldo Nunes)

02 - Cateretê (Arnoldo Silva / Odair José de Araújo)

03 - Outro Amor de Carnaval (Raul Borges / Oswaldo Nunes / Humberto de Carvalho)

04 - Você Deixa (Oswaldo Nunes)

05 - Guerra Santa (Ciro de Souza / Mário Rossi)

06 - Tamanqueiro (Oswaldo Nunes)

Lado B

07 - Dendeca (Oswaldo Nunes)

08 - Doce Canção (Oswaldo Nunes)

09 - Cascata (Oswaldo Nunes / A. Marcilac)

10 - Mulher de Malandro (Celso Castro / Oswaldo Nunes)

11 - Chorei Chorei (Oswaldo Nunes)

12 - Canto da Sereia (Oswaldo Nunes)
Oswaldo Nunes & The Pop's - Tá Tudo Aí

Cidadão Instigado - Uhuuu! (2009)

2010-05-13T16:33:00.005-03:00

Um dos últimos programas roNca-roNca, para ser mais preciso o do dia vinte e sete de abril, trouxe o Cidadão Instigado mostrando algumas faixas de seu último disco ao vivo. É impressionante a capacidade do MV, de proporcionar momentos inesquecíveis semana após semana. Além de extremamente competentes em estúdio, como é fácil de se notar em Uhuuu!, a banda experimenta seu auge também nas apresentações. Quando estreiaram o álbum com uma apresentação no Circo Voador, o Cidadão deixou bem claro que veio para ficar como uma das mais inovadoras e inventivas bandas de sua época.
Segundo Fernando Catatau, o som que a banda mostra nas novas faixas é mais próximo ao que é apresentado durante as apresentações. A sonoridade da banda é um capítulo à parte, juntando influências como Queen, Pink Floyd, Queens of the Stone Age com o "Brega" dos anos 70, eles definem tanto a sonoridade do álbum quanto o estilo de composição. A alquimia é complicada mas o resultado é o som maduro de uma banda extremamente experiente, que sabe até onde podem ir, e podem muito.
Os temas abordados pelas letras são psicodéicas, intrigantes, assustadoras e até engraçadas. "Homem velho" traz referência à Neil Young, em alguma festa com alguma nativa, em alguma canoa. Há sempre algo oculto, difícil de perceber nas letras do Cidadão. A subjetividade já aparece na primeira faixa. Os ladrões, que Catatau quer que deixemos entrar em nossas casas e levar tudo o que puderem, nos deixam à vontade para identificá-los como o Presidente do Senado ou o policial corrupto, ou então o trocador de ônibus que rouba dez centavos do teu troco.
Apesar de não ter saído em vinil, Uhuuu! é um disco, que mesmo em CD, tem que estar na prateleira. A capa e os encartes, além da música e de toda sua qualidade, fazem do disco um item necessário fisicamente. Ainda não achei o meu, se alguém souber onde tem, diga aí nos comentários. Tudo isso pra dizer o quanto é difícil achar as pepitas dos principais nomes da nova safra de artistas da música brasileira. As lojas de disco precisam, assim como as gravadoras e a grande mídia, reservarem o espaço para a turma que está começando a escrever mais um capítulo da MPB.

Faixas:

01. O Nada

02. Contando Estrelas

03. Doido

04. Dói

05. Escolher Pra Quê

06. Como as Luzes

07. Ovelhinhas

08. A radiação na Terra

09. Deus é uma Viagem

10. Homem Velho

11. Cabeção

Banda:

Fernando Catatau (voz, guitarra e teclados)

Regis Damasceno (guitarra e violão)

Rian Batista (baixo)

Clayton Martin (bateria)

Cidadão Instigado - Uhuuu!

Moacir Santos - Coisas (1965)

2010-05-09T21:35:00.005-03:00

Não ando com muito tempo para postagens, mas eu queria muito esse disco por aqui há meses. O Jazz instrumental de Moacir toma muito tempo tanto ouvindo, não basta uma única audição, é preciso esmiuçar cada arranjo, cada acorde, cada nota, quanto escrevendo. É necessário um texto à altura das 10 Coisas de Moacir.
No texto abaixo, Ruy Castro reune todos as características acima e tantas outras, criticando o músico, a música e a relação deste álbum com as gravadoras.

"O crítico Hugo Sukman, em O Globo, achou o título perfeito para seu artigo: De volta às melhores Coisas da vida. Coisas é o disco do compositor, arranjador, maestro e instrumentista Moacir Santos, de 1965 – dez faixas intituladas simplesmente Coisas (numeradas de 1 a 10, mas fora de ordem), embora algumas tenham recebido letra e títulos com que circularam fora do disco (Coisa n.º 5, por exemplo, ficou conhecida no mundo profano como Nanã e, por muitos anos, rendeu um providencial dinheiro a seu letrista Mario Telles).
Coisas só agora volta ao lugar de onde nunca deveria ter ficado ausente: as prateleiras das lojas. E volta com uma força, uma originalidade e uma beleza que, se se disser que foi gravado ontem, ninguém terá razão para duvidar. Mas é claro que ele vem de outros tempos, de outro mundo, outro país – um país também chamado Brasil, mas onde havia uma indústria, dita fonográfica, que estranhamente trabalhava com música.
Esses 39 anos de sumiço dizem muito sobre as cabeças que presidem nossas gravadoras. Coisas foi produzido originalmente pela Forma, o pequeno e corajoso selo que o produtor carioca Roberto Quartin conseguiu sustentar durante três anos na década de 60. A Forma era uma espécie de Elenco, só que ainda mais atrevida e experimental. Vencido pelo mercado, Quartin vendeu as matrizes de seu catálogo (18 formidáveis LPs) para a então Philips, que depois se tornou a Polygram e hoje é a Universal. A poderosa compradora contentou-se em ser apenas a dona da Forma: sentou-se em cima, não fez nada com os discos e, até outro dia, não deixou que ninguém fizesse. O próprio Quartin levou as décadas seguintes tentando convencê-la a repor em circulação o catálogo completo, do qual Coisas era a jóia da coroa – sem sucesso. Quartin morreu em abril último, amargurado porque seu grande disco afinal iria sair, mas isoladamente e por iniciativa de outro selo, o MP,B, sem a sua participação. Triste para Quartin, que devia ter seus motivos para ser um homem difícil – mas, pelo menos, Coisas aí está.
Foi o último e o melhor disco de “samba-jazz” feito no Brasil daquela época: uma obra-prima de música instrumental, com raízes ardentemente brasileiras e uma certa tintura jungle, ellingtoniana, que parece brotar dessas mesmas raízes. Seria fácil dizer que, em tais raízes, está a música ancestral negra. E deve estar mesmo – mas não só: Moacir era e é um músico completo, que se abeberou de toda a tradição clássica européia, apenas fazendo-a curvar-se à sua orgulhosa negritude. (Foi o primeiro maestro negro da Rádio Nacional, furando a hegemonia – benigna – dos mestres Radamés Gnatalli, Leo Peracchi e Lyrio Panicalli.) E Coisas é o epítome da sofisticação e da modernidade que impregnavam alguns criadores daquela fase, empenhados em buscar nos ritmos populares do Nordeste e dos morros do Rio as bases para uma revitalização da música brasileira. Coisa n.º 6, por exemplo, que soa como um baião de quermesse, tornou-se Dia de Festa ao ganhar letra de Geraldo Vandré e foi gravado pelo mesmo Vandré. Nas outras faixas, misturados a improvisações jazzísticas, riffs e ataques de big band, há ecos de xaxado, coco e maracutu.
Mas, alto lá: com Moacir (assim como em Baden Powell), não tinha essa demagogia de recolher folclore – a música saída “do povo” era apenas uma plataforma para toda espécie de pesquisa melódica, harmônica ou rítmica. A prova está logo de saída, na primeira faixa (Coisa n.º 4), em que o sax-barítono e o trombone-baixo começam uma marcação pesada e repetitiva que se estende por todo o número e, em contexto mais “primitivo”, talvez fosse feita por tambores. Era a África, sem dúvida, mas filtrada pelo Beco das Garrafas, em Copacabana – por mais que isso fosse perigoso politicamente. O texto de capa do LP original, escrito por Quartin e reproduzido no encarte do CD, sentia a necessidade de enfatizar que Moacir Santos não era um músico "de direita" ou "de esquerda", mas apenas um músico, e a música desconhece a política. Era uma preocupação vigente e, hoje, pode parecer primária ou irrelevante. Mas só quem viveu o clima daquele tempo, com o Brasil ainda no começo da ditadura, consegue avaliar a intensidade da patrulha (exigiam-se "tomadas de posição") e o sentimento de culpa que se apossava dos músicos voltados somente para a arte, estigmatizados por não fazerem de cada acorde um comício.
Pois aconteceu que Moacir Santos, despolitizado como era, também teve de marchar para uma espécie de auto-exílio nos Estados Unidos. Não porque fosse “alienado” ou “participante”, mas pela brusca mudança de rumos na música brasileira a partir do iê-iê-iê, que liquidou com a possibilidade de sobrevivência no Brasil de artistas como ele. A passagem de 1965 para 1966 marcou esse corte – porque, nos três anos anteriores, o próprio Moacir nunca trabalhara tanto e estivera presente, como arranjador ou compositor, em alguns dos melhores discos lançados no país. Apenas em 1963 eram dele os arranjos de Vinicius & Odette Lara, que foi o LP n.º 1 da Elenco; de pelo menos uma faixa (Nanã, em vocalise) de Nara, o disco de estréia de Nara Leão, também na Elenco; de várias faixas de Baden Powell Swings With Jimmy Pratt, idem Elenco, em que Baden toca as Coisas n.º 1 e n.º 2; e de todos os arranjos de Elizete Interpreta Vinicius, lançado pela Copacabana, com quatro de suas canções que levaram letra de Vinicius, entre as quais Se Você Disser Que Sim e Menino Travesso, e com o seu nome em destaque na capa.
Em 1964, Moacir assinou arranjos de Você Ainda Não Ouviu Nada – pelo menos, os de Nanã e Coisa n.º 2 –, o disco de Sergio Mendes & Bossa Rio na Philips que muitos, então, consideraram o melhor do gênero feito no Brasil. Mas, no mesmo ano, esse disco seria superado pelo sensacional Edison Machado É Samba Novo, na CBS, com quatro de seus temas (Se Você Disser Que Sim, Coisa n.º 1, Menino Travesso e o já onipresente Nanã) no repertório e Moacir impregnando todo o disco com o som cheio e noturno de seus arranjos, mesmo nos de autoria do saxofonista J.T. Meirelles. O Brasil era tão outro país que permitia que uma cantora quase desconhecida – Luiza, 22 anos, professora do Colégio São Paulo, em Ipanema –, ao estrear em disco na RCA Victor, tivesse o solicitadíssimo Moacir como arranjador. (O LP, Luiza, não aconteceu, e a excelente cantora, pelo visto, encerrou ali a carreira. Mas é outro legítimo Moacir Santos, à espera de que o relancem em CD.) Nos intervalos, Moacir compôs também a música para filmes com que o cinema brasileiro (“novo” ou não) tentava atingir a maioridade: Seara Vermelha, do italiano Alberto D’Aversa (1963), e Ganga Zumba, de Carlos Diegues, Os Fuzis, de Ruy Guerra, e O Beijo, de Flavio Tambellini, todos de 1964, nos quais nasceram várias Coisas. Tudo isto, na verdade, era uma preparação para o Coisas propriamente dito – que, ao ser finalmente lançado, em 1965, logo teria de enfrentar uma atmosfera adversa à sua proposta. A Forma afundou, o disco desapareceu e, pelas quatro décadas seguintes, o LP só reapareceria ocasionalmente nos sebos – até também sumir deles e se tornar uma preciosidade de US$ 200 no mercado internacional.
O que aconteceria se a lição de Coisas (e de outros discos de seu estilo) tivesse sido disseminada em 1965? Tudo é especulação, mas é provável que a música instrumental moderna brasileira não conhecesse a penúria que atravessou nas décadas seguintes. O próprio Coisas era uma continuação das experiências nos discos menos dançantes das orquestras de Severino Araújo e Zaccarias, escolados nas gafieiras cariocas dos anos 40 e 50. Deve-se citar também o desaparecimento das orquestras de rádio, TV, boates e as das próprias gravadoras como fator decisivo para o declínio da música instrumental no Brasil – porque foram elas que permitiram a existência de um disco como Coisas. Para Moacir Santos, com 40 anos em 1966, só restava ir embora. E ele foi – para Los Angeles, onde já está há 38 anos.
A volta do disco pode completar a redescoberta brasileira de Moacir, iniciada em 2001 com o lançamento de Ouro Negro pelos mesmos produtores da nova edição de Coisas: Mario Adnet e Zé Nogueira. Ouro Negro era espetacular – mas Coisas é o produto original, com Moacir em pessoa, não apenas de caneta e batuta na mão, mas armado de seu possante sax-barítono. Hoje, aos 78, Moacir não pode mais tocar, por problemas de saúde, mas a mão que compõe e arranja é a mesma de há 40 anos."
Ruy Castro

Faixas:

1- Coisa No. 4
2- Coisa No. 10
3- Coisa No. 5
4- Coisa No. 3
5- Coisa No. 2
6- Coisa No. 9
7- Coisa No. 6
8- Coisa No. 7
9- Coisa No. 1
10- Coisa No. 8

Franz Ferdinand - Blood (2009)

2010-04-30T12:25:00.007-03:00

Indie não é um estilo musical, é apenas um rótulo. Bandas de rock não precisam de rótulos, muito menos as boas, ao contrário das garrafas de whisky, que além dele, é de bom tom que estejam com o rótulo de importação. Isso tudo pra dizer que o Franz Ferdinand traz tantas influências que chega a ser feio chamá-los de Indie. Prova disso é Blood, sub-produto de Tonight, que é o ápice da discografia dos escoceses, que é composto por remixes de faixas de Tonight em Dub.
O Dub é um estilo oriundo do Reggae, mas que derruba diferenças de estilos musicais quando junta no mesmo remix Choro e Blues, ou então Rock e Reggae. Nomes como Lee "Scratch" Perry, Mad Professor e toda a turma de Kingston não são referências de bandas que se contentam com pouco. Com o produtor Dan Carey, a banda leva Tonight a viagens pelas mixagens do Dub.
"Feel the Plessure" é o resultado da experimentação que abre o disco, com batidas pesadas, a voz de Kapranos precisa driblar os efeitos eletrõnicos e as notas mais graves para se destacar. Em "Die on the Floor", a banda transforma "Can't Stop Felling" numa autentica música para o auge da pista num sábado a noite. Em "Felling Kind of Anxious" está a faixa que menos muda da versão original. O baixo ganha mais destaque, mas é a mesma divisão que leva o público ao delírio em "Ulysses". Nessa faixa, as mudanças mais significativas estão na voz de Kapranos. As partes quietas de Blood, são mais quietas ainda que em Tonight, particularmente em "The Vaguest of Feeling".
Ao contrário de "Feeling Kind of Anxious", em "Backwards on my Face" a única pista de "Twilight Omens" é a linha de teclado. Nessa faixa, temos o melhor exemplo de como o Dub pode reconstruir descontruindo. O baixo reina nessa faixa, principalmente. Bob Hardy dá um show a parte revelando-se melhor que nunca, suas notas graves são vitais para o sucesso musical dessa empreitada tão arriscada quanto necessária.
O uso de sintetizadores em Tonight ajudou bastante nas remizagens. Para o próximo disco, a banda promete arriscar na percussão. De repente, decidem fazer uma visita à África para trocar figurinhas com o legado de Fela Kuti. Não há limites para os Ferdinandos.

Faixas:

1. Feel the Pressure

2. Die on the Floor

3. The vaguest of Felling

4. If I Can't Have You Then Nobody Can

5. Katherine Hit Me

6. Backwards On My Face

7. Felling King Of Anxious

8. Feel The Envy

9. Be Afraid

Membros:

Alex Kapranos

Robert Hardy

Nicholas McCarthy

Paul Thompson

Franz Ferdinand - Blood

Paulinho da Viola - Nervos de Aço (1973)

2010-04-10T14:33:00.005-03:00

Eis mais um disco que não fico completamente satisfeito com a edição em CD. Pelo som, obviamente, mas principalmente pela arte da capa e do encarte. A capa do LP é para emoudurar e colocar na parede, com certeza Paulinho tem um quadro desses em sua casa, e se não tem deveria ter, já que é um dos melhores discos de sua carreira.
A escolha das músicas de outros autores que ganharam a interpretação de Paulinho é extremamente feliz. Para abrir o disco, uma composição de Mijinha, integrante da Velha Guarda da Portela, "Sentimentos". "Não quero mais amar a ninguém" é a homenagem de Paulinho ao mestre da Mangueira, principalmente a Cartola, um dos compositores. A escolha mais feliz de todas, para mim, é justamente a faixa título. Prova disso é que a canção acompanha a trajetória de Paulinho desde então. Mesmo anos depois de dar sua versão ao clássico de Lupicílio Rodrigues, a composição é sempre impressindível em qualquer apresentação de Paulinho. Além das três faixas citadas, "Nega Luzia", de Wilson Baptista e Jorge de Castro, e "Sonho de um carnaval" de Chico Buarque, completam a seleção de composições que ganharam o toque de ouro de Paulinho neste disco.
O nível e a quantidade das músicas de outros compositores são tão altos que as autorais acabam ficando numa condição de coadjuvante. Mesmo assim, "Cidade Submersa" tem grande destaque, além de "Choro Negro", parceria com Fernando Costa.
A década de 70 é muito importante para a carreira de Paulinho, pois foi durante esse período que ele consolidou-se como um dos grandes músicos da música popular brasileira, graças a discos como Nervos de Aço.

Faixas:

1. Sentimentos
2. Comprimido

3. Não Leve a Mal

4. Nervos de Aço

5. Roendo as Unhas

6. Não Quero Mais Amar A Ninguém

7. Nega Luzia

8. Cidade Submersa

9. Sonho de um Carnaval

10. Sonho Negro

Paulinho da Viola - Nervos de Aço

Eric Clapton - Eric Clapton (1970)

2010-04-09T20:16:00.003-03:00

O primeiro álbum solo do guitarrista aclamado como Deus na Inglaterra, passou, e ainda passa, desapercebido dentro de sua discografia. Lançado entre o disco do Blind Faith e o aclamadíssimo Layla and Other Assorted Love Songs do Derek & The Dominos, dá pra entender o porque esse álbum não foi tão notado quanto deveria. Alguns declaram, porém, que o disco é recheado de R&B, Gospel e country, mas na minha opinião, é aí que está o diferencial do disco. Era um momento em que Clapton estava tentando se afastar do blues e do rock'n'roll.
Depois das gravações e apresentações com o Blind Faith, Eric embarcou em turnê com o casal Bramlett, Delaney e Bonnie. A banda tinha como baterista Jim Gordon e como baixista Carl Radle, e de quebra, George Harrison, um admirador de longa data da música folk e country estadunidenses, também participou de alguns shows. Com a excessão de Harrison, esses músicos também tocam na estréia solo de Clapton. Logo, nada mais lógico que as sessões do estúdio sejam algo como o que foi aquela experiência anterior.
"Slunky" é a faixa de abertura, instrumental, começa o disco sem rodeios, vai direto ao ponto. Escancarando as intenções do guitarrista, "Bad Boy" reforça essa impressão. A releitura de "After Midnight" é a primeira vez que o blues entra com força numa das faixas, apesar de que é uma faixa com a levada de baixo e bateria bem aceleradas, características do Rythym&Blues. "Blues Power" apesar do nome, não vai na fonte que Clapton bebeu durante a maior parte dos anos 60. "Let It Rain", música de título perigoso para o Rio de Janeiro nesse abril/10, é a faixa que mais carrega a sonoridade do Cream ou do Blind Faith, na guitarra.
Esse álbum representa um último suspiro de Eric Clapton fora das influências que pautaram sua carreira até então, para, dali em diante, mergulhar novamente no blues nas gravações com o Derek & The Dominos. Depois, o blues foi tomando outra proporção, menor, na carreira brilhante do guitarrista.

Banda:

Eric Clapton – guitar, lead vocals
Delaney Bramlett – rhythm guitar, vocals
Leon Russell – piano
Bobby Whitlock – organ, vocals
John Simon – piano
Carl Radle – bass
Jim Gordon – drums
Jim Price – trumpet
Bobby Keys – saxophone
Tex Johnson – percussion
Bonnie Bramlett – vocals
Rita Coolidge – vocals
Sonny Curtis – vocals
Jerry Allison – vocals
Stephen Stills – vocals

Faixas:

"Slunky"
"Bad Boy"
"Lonesome and a Long Way from Home" (Delaney Bramlett, Bonnie Bramlett, Leon Russell)
"After Midnight" (J. J. Cale)
"Easy Now" (Clapton)
"Blues Power" (Clapton, Russell)

"Bottle of Red Wine"
"Lovin' You Lovin' Me"
"Told You For the Last Time" (Delaney Bramlett, Bonnie Bramlett, Steve Cropper)
"Don't Know Why"
"Let It Rain"

Charlotte Gainsbourg - IRM (2009)

2010-03-18T19:23:00.006-03:00

Aos 45 do segundo tempo de 2009, veio à luz um dos melhores discos do ano e, talvez, um dos melhores da década de uma cantora. IRM era o que faltava para consolidar a carreira musical dessa cantora que, desde o berço, faz parte da realeza da música francesa. Além disso, coroou um ano espetacular para Charlotte, vencedora do prêmio de melhor atriz do festival de Cannes, por sua atuação em Anti-Cristo.
O álbum é uma parceria com Beck, que produziu e compôs todas as faixas e ainda participa cantando em "Heaven Can Wait" que é, talvez, a principal música do álbum. Mas não é tão óbvio assim, IRM veio logo após um acidente grave, que a levou para a mesa de cirurgia, e não obstante, no decorrer da recuperação, ela achava que poderia morrer a qualquer momento. Só tirou essa idéia da cabeça quando viu o resultado de várias RMI (sigla em inglês para Exame de Ressonância Magnética). As outras faixas são viagens poéticas e melódicas altamente inspiradas na obra de Serge Gainsbourg, um dos maiores ícones da música francesa, principamente no disco "Gainsbourg Percussions" de 1964.
A parceria prova-se bem sucedida a cada faixa, Beck dá o tom e Charlotte encaixa com maestria e suavidade sua voz, tanto nas músicas em francês, como em "Le Chat du Café des Artistes", do canadense Jean-Pierre Ferland, quanto nas canções em inglês, maioria no álbum, com destaque para " Trick Pony" e " Heaven Can Wait".
Por enquanto, esse é o auge artístico na vida de Charlotte, tanto na música quanto no cinema, o que torna seus trabalhos recentes tremendamente interessantes e elogiáveis.

01. Master's Hands
02. IRM
03. Le Chat du Café des Artistes
04. In the End
05. Heaven Can Wait
06. Me and Jane Doe
07. Vanities
08. Time of the Assassins
09. Trick Pony
10. Greenwich Mean Time
11. Dandelion
12. Voyage
13. La Collectionneuse

Jefferson Airplane - Surrealistic Pillow (1967)

2010-03-12T23:25:00.007-03:00

O Jefferson Airplane é produto direto da onda de ácido que varreu São Francisco apartir de 1964. Logo, este álbum, Surrealistic Pillow, o principal na discografia da banda, não é diferente. Sem ele o "Verão do Amor" não seria o mesmo, duas de suas faixas são hinos daquela lisérgica geração. "Somebody To Love" e "White Habit" são canções atemporais, que guiaram a viagem de muitos jovens daquela época através dos incertos caminhos do LSD.
Logo após o lançamento do primeiro álbum da banda, em 1966, o baterista Alexander Skip Spence saiu da banda para se juntar ao Moby Grape; e em 1969, lançar o brilhante Oar, disco solo. As mudanças continuaram na formação do grupo. Ainda saiu a vocalista Signe Toly Anderson para a entrada marcante de Grace Slick. Spencer Dryden substituiu Skip Spence na bateria.
Essas mudanças tiveram grande influência no som que a banda mostraria dali pra frente. A fusão entre o folk, de melodias suaves e letras politizadas, com a desbunde, guitarras cheias de efeitos novos e o vocal estridente do rock psicodélico chegou na hora certa. A banda foi uma das pioneiras nessa fusão e passou para um seleto grupo de bandas e artistas de sua época, justamente pela revolução sonora da qual ajudou a criar.
"My Best Friend" é a única composição de Skip Spence no álbum, gravada e inserida no disco como uma homenagem. "Today" e "How do You Fell?" são outras faixas de destaque num álbum que é fácil determinar os pontos altos mas é difícil saber o quão perto outras canções estão dele.
Dizem que 1967 é o ano da psicodelia, um ano de ouro no rock, e Surrealistic Pillow é uma das pérolas dessa coroa.

Faixas:
1.She Has Funny Cars - 3:13
2.Somebody to Love - 3:01
3.My Best Friend - 3:04
4.Today - 3:02
5.Comin' Back to Me - 5:24
6.3/5 of a Mile in 10 Seconds - 3:45
7.D.C.B.A. -25 - 2:39
8.How Do You Feel - 3:34
9.Embryonic Journey - 1:55
10.White Rabbit - 2:33
11.Plastic Fantastic Lover - 2:40

Formação:

Marty Balin – vocals, guitar
Grace Slick – vocals, piano, organ, recorder
Paul Kantner – rhythm guitar, vocals
Jorma Kaukonen – lead guitar, rhythm guitar, vocals
Jack Casady – bass, fuzz bass, rhythm guitar
Spencer Dryden – drums, percussion

Jefferson Airplane - Surrealistic Pillow

It Might Get Loud (À Todo Volume) 2009

2010-03-01T01:12:00.005-03:00

It Might Get Loud

por Barney Hoskyns
traduzido e adaptado por IF

Vivemos um tempo em que o virtuosismo na guitarra é algo nostálgico e almejado. Qualquer garoto de classe média que tenha uma Stratocaster ou uma Les Paul no quarto quer ser Jimi Hendrix ou Kurt Cobain, nem que seja no Guitar Hero. Assistindo à "It Might Get Loud" - o interessantíssimo filme de David Guggenheim sobre o encontro, em janeiro de 2008, entre 3 guitarristas - faz você perceber o quão comum e inocente nossos sonhos de tornar-se um músico são. Em seus distintos caminhos, Jimmy Page, The Edge e Jack White tiveram que batalhar muito nos primeiros anos de obsessão e aprendizado para chegar a algum lugar. Os garotos prodígio dos jogos eletrônicos de hoje, tem muita o que aprender com as memórias e pensamentos dos três guitarristas. Lançado em DVD após uma curta passagem pelo circuito comercial, It Might Get Loud é sobre como a guitarra elétrica e o amplificador, combinados, criam um tipo de super poder, transformando o músico num deus do som. Começando com uma longa tomada mostrando Jack White construindo uma guitarra elétrica com uma corda, um pedaço de pau e um captador no quintal de sua casa, no Tennessee, o filme volta no tempo para remontar de forma rápida a história do Led Zeppelin, do U2 e do White Stripes, mostrando momentos marcantes de cada um dos três guitarristas abordados. Apesar de um ou dois cortes abruptos, por exemplo quando The Edge está falando sobre os Troubles, quando há um corte inexplicável para Page relembrando quando ele demitiu-se do lucrativo posto de músico de estúdio. Enquanto White como um herdeiro da magia do Blues do pródigo James Patrick Page, The Edge como um homem único, que não tem o espírito sujo do Blues e vive cercado pela sua parafernália eletrônica. Mas o contraste de sua devoção pela tecnologia de ponta e a relativa simplicidade de Page e White de fato faz do filme mais que um simples documentário sobre guitarras. White usa o filme como plataforma para criticar o uso excessivo, mas confessa, a caminho de encontrar com os outros dois guitarristas, que pretende enganá-los para descobrir todos os segredos possíveis. Entretanto muitos não gostem do U2, é difícil argumentar contra a magenstade de The Edge na guitarra. O momento mais intenso do filme talvez seja quando há a passagem do som de um fita-demo do álbum Joshua Tree para a versão ao vivo, num estádio lotado, de "Where The Streets Have No Name".
Num ponto, The Edge começa a falar sobre riffs (aqueles acordes que se repetem durante a música) e sons que "invocam algum lugar", e Guggenheim leva nosso augustotrio para lugares marcantes em suas produções musicais: Page volta a Headley, num carro preto. Jack White vai ao sudeste de Detroit e Edge volta para a Dublin que o U2 começou a carreira. Ocorrem maravilhosos momentos de reconexão com velhas influências: White ouvindo um "sagrado" Lp do Son House, Page, feliz da vida, ouvindo um compacto da música "Rumble" do Link Wray. Há também uma vasta filmagem dos Strips tocando músicas do Flat Duo Jets e o precioso filme caseiro com cenas do Zeppelin tocando no jardim da mansão em Headley Grange.
Ao longo do filme, há um bate papobem descontraído entre os três guitarristas num estúdio em Los Angeles e no meio de tudo isso, uma levada de "Dead leaves and the dirty gounds" e da agourenta "In my time of dying", música tradicional do Blues do Delta do Mississipi que, em 1976, ganhou uma versão assinada pelo Zeppelin, com direito a introdução de uma guitarra em slide que vai fundo na alma. Apesar de White ser o comandante do show - como único "frontman" entre os três, isso já era de se esperar - ele tem uma atitude totalmente desrespeitosa, sem mencionar sua expressão facial quando Jimmy Page toca a introdução de "Whole Lotta Love" em sua Gibson Les Paul. Lembrando um ancião oriental, o ritmo de Page ficou confuso, mas o sentimento ainda está lá. "Se eu carrego isso ou isso me carrega, eu não sei", ele diz sobre o desejo de transformar-se através da combinação guitarra e amplificador. "O júriestá por aí. Mas eu não ligo, eu aproveitei muito tudo. É isso."
Em certos momentos, It Might Get Loud torna-se um dos mais densos e importantes documentários da BBC 4 - a união da pose do rock-progressivo com a rebeldia do punk, por exemplo - mas no fundo, o filme é um estudo razoavelmente profundo sobre guitarristas, e guittaras como uma paixão compartilhada. Escutando White em sua varanda, fazendo uma guitarra gritar e exalando emoção daquele pedaço de madeira, faz você perceber como as coisas velhas tem sua valor.

Texto original no site da UNCUT, aqui.

Them Crooked Vultures - Them Crooked Vultures (2009)

2010-02-01T20:38:00.006-02:00

A primeira vez que o termo 'Super-grupo' apareceu no Rock foi em 1969, quando Eric Clapton e Steve Winwood juntaram-se a Rick Grech e Ginger Baker para formar o Blind Faith. Após 40 anos, outra banda que atende aos requisitos do termo chega para tentar a sorte. O Them Crooked Vulture não tem o virtuosismo de Clapton na guitarra, nem a precisão e destreza de Ginger Baker na bateria, porém fazem bom papel entre as bandas contemporâneas do gênero.
O principal atrativo para a banda chamar a minha atenção é a presença de John Paul Jones no baixo. Curioso com o que o baixista de uma das maiores bandas de rock poderia fazer hoje, quase 30 anos após a dissolução do Led Zeppelin, não perdi tempo e escutei o disco inteiro várias vezes. Se no Led Zeppelin a dificuldade era acompanhar John Bonham, na nova empreitada a dificuldade é parecida mas invertida. Enquanto Bonham era um ás, dominava todas as técnicas que o instrumento possibilita no gênero, com 'viradas', mudanças de divisão, ritmo e andamento, tornando para o baixista muito difícil acompanhar a pegada, Grohl é um baterista muito limitado, compensando em força o que não tem em técnica, o que também torna a vida do baixista complicada, pois é difícil compor uma linha de baixo de qualidade quando o baterista não dá alternativas. Resumindo: JP Jones não era tão bom para acompanhar Bonham no Zeppelin, pouquíssimos baixistas no rock seriam, mas também não é o baixista discreto e, às vezes, inaudível que o Them Crooked Vultures mostra.
O Dave Grohl baterista do Nirvana não é algo difícil de explicar. Um estilo despojado, com a forte levada do punk e todo o sentimento de raiva, frustração e melancolia das letras de Cobain que era transmitido pelo jeito que Grohl atacava a bateria. Essa descrição vale também para sua nova banda. Até aí, ou seja, baixo e bateria, o Them Crooked Vultures lembra muito o Nirvana, mas as letras são outras, a guitarra é outra, os tempos são outros e a atitude é outra. O modo com que Grohl tirava o som de seu instrumento no Nirvana foi a principal influência entre 9 de 10 bateristas de banda que surgiram depois do auge do trio estado-unidense, em 91 com Nevermind, talvez seja esse o motivo para se acreditar que não existem bons bateristas nas principais bandas de rock.
Josh Homme, produtor de mão cheia e um dos principais responsáveis pela guinada do som do Arctic Monkeys, também é guitarrista das bandas Queens of the Stone Age e Eagles of Death Metal. Com pouca ou nenhuma influência do blues em sua carreira, as linhas de guitarra de seu novo projeto não fogem à essa regra, ajudando a banda a ter um caráter pouco melódico e bastante harmônico. Além disso, nas apresentações ao vivo ainda existe um segundo guitarrista, Alain Johannes, que, como se precisasse, deixa o som da banda tão pesada nas apresentações quanto no disco.
Falta, ao Them Crooked Vultures, a ousadia de inovar, experimentar e improvisar. Nenhum dos três músicos mostra novidades em comparação ao que já mostraram em suas carreiras. O rótulo de 'Super-grupo' vem à calhar pelo passado e o sucesso de cada membro mas não pelo resultado deste primeiro álbum.

Faixas:

1. "No One Loves Me & Neither Do I"
2. "Mind Eraser, No Chaser"
3. "New Fang"
4. "Dead End Friends"
5. "Elephants"

6. "Scumbag Blues"
7. "Bandoliers"
8. "Reptiles"
9. "Interlude with Ludes"
10. "Warsaw or the First Breath You Take After You Give Up"
11. "Caligulove"
12. "Gunman"
13. "Spinning in Daffodils"

The Who - A Quick One (1966)

2010-01-26T13:42:00.004-02:00

O segundo disco do Who é tão importante quanto o primeiro, My Generation (1965), mas por motivos diferentes. Neste acetato, a banda começa a se libertar do R&B, que caracteriza o primeiro disco, e também começa a demonstrar que há vida fora do movimento Mod, no qual o Who consolidou-se, que já estava caminhando para o fim.
Numa ação de marketing, cada membro da banda teria que compor 2 músicas. Keith Moon fez "I Need You", na qual além da bateria, ele também faz a voz principal. A segunda composição de Moon é a instrumenal, praticamente um solo de bateria, "Cobwebs and Strange". John Entwistle contribuiu com a clássica "Boris, the Spider" e "Whiskey Man". Enquanto Daltrey só compôs "See My Way", Townshend fez outras 4 canções, dominando as composições do disco, elas são "Run, run, run", que abre o disco, "Don't Look Way", a inspirada e linda canção "So sad About Us" e a faixa-título "A Quick One, While He's Away". O disco fecha em 10 faixas com a versão de "Heat Wave", música composta pelo trio HDH.
Na faixa-título está a principal razão para este disco ser tão importante, a primeira tentativa de compor e gravar uma ópera-rock. O sucesso da música, que conta a história de um triângulo amoroso, levou a banda a tentar voos ainda maiores e consagrou-os quando em 1969, gravaram Tommy e em 1973, o épico Quadrophenia. A Quick One é um disco seminal na carreira do who e na história do rock, e mais de 40 anos após seu lançamento continua subestimado.

Banda:

Keith Moon

Roger Daltrey

John Entwistle

Pete Townshend

Faixas:
Run Run Run
Boris The Spider
I Need You
Whiskey Man
(Love Is Like A) Heat Wave
Cobwebs And Strange
Don't Look Away
See My Way
So Sad About Us
Quick One, While He's Away

The Who - A Quick One

Céu - Vagarosa (2009)

2010-01-18T11:03:00.003-02:00

2010 começa por aqui num ritmo tão vagaroso quanto ao da Céu em seu segundo disco, um dos melhores da nova safra da música brasileira em 2009. Um dos meus arrependimentos musicais em 2009 foi não ter acompanhado de mais perto a evolução espetacular que esses artistas tiveram. Além da Céu, 2009 foi um ano importantíssimo para bandas como Cidadão Instigado, Lucas Santtana, Romulo Fróes, Móveis Coloniais de Acaju, Do Amor, Lê Almeida, Wado e tantos outros que se destacaram.
"Céu sorri. Preguiçosa, estica-se pequena num cenário de graves quentes, timbres analógicos e percussão minimalista. Efeitos sonoros (o crepitar do vinil, um lento scratch) e teclados elétricos da idade da pedra ajudam a desenhar uma paisagem descrita em câmera lenta. Envolta na névoa branca da psicodelia jamaicana, ela, no entanto, não é uma Alice recém-chegada no país das maravilhas do dub. Pelo contrário - pela cor amarela das pontas dos dedos das faixas de Vagarosa dá pra perceber que ela mesma é a patroa, a própria Lagarta fumando em seu narguilé, enquanto recosta-se sobre seu sofá-pufe em forma de cogumelo. Ela é nativa.
Embora não pareça. O sorriso estampado na capa do primeiro disco foi bookmarcado pela Apple e ajudou a vender a loja de MP3 de Steve Jobs como uma de suas artistas favoritas, quase sempre apresentada junto de seus produtos como exemplo da pluralidade da empresa. Seu sempre referido berço musical (”filha do maestro Edgar Poças, o criador da Turma do Balão Mágico, começou cedo no meio artístico”, todas as matérias irão dizer) também a coloca como refém de uma inevitável carreira musical, quando, na verdade, muitos dos méritos são seus.
Vagarosa, seu segundo álbum, começa com um pequeno prelúdio em samba (”Sobre o Amor e Seu Trabalho Silencioso”) tocado apenas ao cavaco e disfarça na largada, mas reforça seu mote logo na primeira frase: “Vai pegar como bocejo”. É a primeira de uma série de metáforas que reforçam, no decorrer do disco, seu clima lento e sossegado - e também é mesma conclusão do refrão da primeira música de fato: a irresistível “Cangote”, que instaura a vibe de sauna canabista que impregna as paredes do álbum, que esparrama-se e rola por sobre timbres cirurgicamente aquecidos pelos produtores Beto Villares e Gustavo Lenza que, ao lado da cantora, recepcionam nada menos que a fina flor da música brasileira atual.
Por Vagarosa passam luminares da primeira década do século no país: Fernando Catatau, BNegão, os Sebozos Postiços (Lucio, Pupilo e Dengue), os teclados de Bactéria (Mundo Livre S/A) e Chiquinho (Mombojó), os sussurros de Thalma de Freitas e Anelis Assumpção, Curumin e Guizado, além do veterano baterista Gigante Brazil e do highlander Luiz Melodia, único responsável por tirar o disco do clima esfumaçado do Sumaré e trazê-lo para o samba de alguma das duas Lapas - a paulista ou a carioca -, na deliciosa “Vira Lata”.
Mas entre tantos convidados ilustres, Céu ainda é a patroa. Como no primeiro disco, o novo também funciona na medida de sua voz - por vezes inflexível e hipnótica (”Papa”, “Sonâmbulo”, “Nascente”, “Ponteiro”), por outras sedutora e caliente (”Cordão da Insônia”, “Grains de Beaute”, “Bubuia”). Ela equilibra timbres e músicos com sua batuta vocal e a pós-produção só salienta ainda mais sua presença musical, tratando arranjos de cordas e de metais, convidados e instrumentos como samples vivos. Vagarosa é um disco quase gêmeo de 3 Sessions in a Greenhouse, de Lucas Santtana, mas enquanto Lucas convidava o ouvinte para entrar no universo dub em pleno estúdio, Céu deixa seu espectador do outro lado do vidro, transformando-se - e a todos em seu disco - num animal de zoológico, encarcerada como atração turística. Questão de ponto de vista: do lado de lá, ela está livre em sua nação de sons e sonhos, cantando para ouvintes encarcerados do outro lado do vidro. Ao pegar carona com o dub, Céu deixa os clichês de MPB anos-luzes no passado e livra-se de toda uma herança secular brasileira (o compromisso com o samba é assumido de forma quase didática, através da participação de Melodia e pelo cover de Jorge Ben com os Sebosos Postiços, em “Rosa Menina Rosa”) para abraçar uma sonoridade mais próxima de nossos dias do que os dos ídolos de nossos pais, que ainda teimam em dar a benção para quem quer se aventurar nesse métier. Céu nem olha pros lados, chama os amigos, mira pra frente - e vai embora. Sorte nossa."
O texto entre áspas é d'O Esquema.

Faixas:

01 Sobre o Amor e seu Trabalho Silencioso (Céu)

02 Cangote (Céu)

03 Comadi (Céu-Beto Villares)

04 Bubuia (Céu-Anelis Assumpção-Thalma de Freitas), com Anelis Assumpção e Thalma de Freitas

05 Nascente (Céu-Siba)

06 Grains de Beaute (Céu-Beto Villares)

07 Vira Lata (Céu), com Luiz Melodia

08 Papa (Céu)

09 Ponteiro (Céu)

10 Cordão da Insônia (Céu-Beto Villares)

11 Rosa Menina Rosa (Jorge Ben), com Los Sebozos Postizos

12 Sonâmbulo (Céu-Serginho Machado-Bruno Buarque-Lucas Martins-Dj Marco-Guilherme Ribeiro)

13 Espaçonave (Céu-Fernando Catatau), com Beto Villares

Céu - Vagarosa

The White Stripes - White Blood Cells (2001)

2009-12-17T11:26:00.004-02:00

Hoje, 17 de dezembro, este blog orgulhosamente completa um ano de vida. Segundo a Uncut, o melhor disco da década. Então, sem mais enrolação White Blood Cells!

Faixas:

"Dead Leaves and the Dirty Ground" – 3:04
"Hotel Yorba" – 2:10
"I'm Finding It Harder to Be a Gentleman" – 2:54
"Fell in Love with a Girl" – 1:50
"Expecting" – 2:03
"Little Room" – 0:50
"The Union Forever" – 3:26
"The Same Boy You've Always Known" – 3:09
"We're Going to Be Friends" – 2:22
"Offend in Every Way" – 3:06
"I Think I Smell a Rat" – 2:04
"Aluminum" – 2:19
"I Can't Wait" – 3:38
"Now Mary" – 1:47
"I Can Learn" – 3:31
"This Protector" – 2:12

Banda:

Jack White

Meg White

The White Stripes - White Blood Cells

The Dead Weather - Horehound (2009)

2009-12-16T21:07:00.004-02:00

As expectativas para um supergrupo formado por membros dos White Stripes, Raconteurs, Queens of the Stone Age e The Kills era as melhores possíveis, e a mais nova banda captaniada por Jack White não fez feio, muito pelo contrário. Alheio à todas essas expectativas, a banda apresenta um Jack White de volta às baquetas, e cantando de um jeito diferente, principalmente em "I Cut Like A Buffalo". O som da banda não é tão pesado quanto a capa ou as roupas dos integrantes ou então, o clipe de "Treat Me Like Your Mother" presupõem, o uso exaustivo de sintetizadores dão um tom eletrônico ao disco. Assim o baixo de Jack Lawrence fica um pouco em segundo plano.
Em "Hang You from the Heavens" e "Treat Me Like Your Mother" traz um tema recorrente no White Stripes e no The Kills, a rivalidade sexual, em vários aspectos. Apesar das qualidades musicais dos quatro membros, a voz de Alisson Mosshart é o destaque individual do disco, com o carisma que lea traz do Kills mais um certo groove que ela ainda não tinha apresentado na sua banda. A faixa "So Far from Your Weapon", escrita por ela, é a que melhor mostra os nuances de sua bela voz. Além da voz de Mosshart no máximo, a bateria, as guitarras, o baixo e os sintetizadores estão sempre no volume máximo sem deixar nenhum espaço vazio fazendo o rock'n'roll de primeira linha.
Uma das faixas mais surpreendentes é "New Pony" de Bob Dylan, gravado com um arranjo bastante diferente do original traz um riff de guitarra marcante e as vozes de fundo bem altas durante a música inteira. Depois da tempestade da qual o ouvinte é submetido, "Will there be enough water?" é um final bastate adequado, um blues com apenas White e seu violão e a bateria bem mais calma que durante o disco todo.
Considerando que a banda reuniu-se e gravaram em questão de semanas todas as faixas do disco, além das faixas que ficaram para lado B dos compactos, o disco mostra a capacidade de cada um apresentar o inesperado e inovador, mesmo sem fugir muito do contexto do rock'n'roll moderno.

Formação:

Allison Mosshart

Jack White

Dean Fertitta

Jack Lawrence

Faixas:

1. "60 Feet Tall"
2. "Hang You from the Heavens"
3. "I Cut Like A Buffalo"
4. "So Far from Your Weapon"
5. "Treat Me Like Your Mother"
6. "Rocking Horse"
7. "New Pony"
8. "Bone House"
9. "3 Birds"
10. "No Hassle Night"
11. "Will There Be Enough Water?"

The Dead Weather - Horehound

The Who - Quadrophenia Soundtrack (1979)

2009-12-14T21:58:00.003-02:00

A adaptação da lendária ópera-rock e maior disco do quarteto inglês à telona também virou disco. Quadrophenia é o auge do intelecto de Pete Townshend, já deve ter escrito a seguinte frase algumas três vezes pelo blog, mas nunca é ruim repetir: Pete Townshend é um gênio!
O disco original é de 1973, baseado no movimento Mod de 1964, o filme é de 1979, mas Quadrophenia eterno. Até hoje, é cultuado na Inglaterra pelas novas gerações, adaptações para o teatro acontecem rotineiramente desde que o filme foi lançado. O lançamento do filme alavancou ainda uma nova onda do movimento Mod, sem tanta força mas características parecidas e à reboque estouraram bandas como The Jam, Police, Secret Scene entre outras.
O filme é retrata a Londres de 1964 do ponto de vista do jovem Mod Jimmy Cooper, vivendo toda a intensidade da que a juventude da época dispunha. O grande mérito do filme é fazer a ficção parecer uma espécie de documentário, contando a vida do garoto da classe trabalhadora através de sua relação com as amigos, com o chefe, com a música, com os pais e com todo o ambiente que o cerca. Cenas como a batalha dos Mods contra os Rockers na cidade de Brighton reforçam essa sensação de documentário.
Porém, a essência do filme não é nossa preocupação aqui, e sim a trilha sonora. As músicas do álbum original que também aparecem na trilha sonora foram regravadas com Kenny Jones na bateria, substituindo o insubstituível Keith Moon. O interessante é reparar nas mudanças, as novas linhas de baixo e os metais, compostos e arranjados por John Entwhistle. Além das músicas do Who, a banda ainda traz 3 faixas que ficaram de fora da versão final do álbum original: "Joker James", "Get Out Stay Out" e "Four Faces".
A parte mais interessante do disco começa quando começam a aparecer as músicas que marcaram o movimento Mod. Vindo do soul e R&B estadunidenses, com James Brown, Booker T. And The MG's e The Crystals, até os representantes ingleses desses ritmos e também do rock como The High Numbers e Cross Section. O disco também traz e conta um pouco do espírito e do movimento Mod em sua essência mais profundo, a música.

Faixas:

Lado 1

"I Am the Sea" – 2:03
"The Real Me" – 3:28
"I'm One" – 2:40
"5:15" – 4:50
"Love Reign O'er Me" – 5:11

Lado 2

"Bell Boy" – 4:55
"I've Had Enough" – 6:11
"Helpless Dancer" – 0:22
"Doctor Jimmy" – 7:31

Lado 3

"Zoot Suit" (The High Numbers) – 2:00
"Hi-Heel Sneakers" (Cross Section) – 2:46
"Get Out and Stay Out" – 2:26
"Four Faces" – 3:20
"Joker James" – 3:13
"The Punk and the Godfather" – 5:21

Lado 4

"Night Train" (James Brown) – 3:38
"Louie Louie" (The Kingsmen) – 2:41
"Green Onions" (Booker T. & the M.G.'s) – 2:46
"Rhythm of the Rain" (The Cascades) – 2:28
"He's So Fine" (The Chiffons) – 1:52
"Be My Baby" (The Ronettes) – 2:30
"Da Doo Ron Ron" (The Crystals) – 2:09
"I'm the Face" (The High Numbers) – 2:29

The Who - Quadrophenia Soundtrack

Volta Sêca - As Cantigas de Lampeão (1957)

2009-12-14T15:38:00.008-02:00

"Pouca gente no Brasil, conhecerá um sertanejo baixinho, simpático e de cara fechada chamado Antonio dos Santos. Mas todos já ouviram falar, com certeza, no famoso Volta Sêca, o mais jovem dos cangaceiros do bando de Lampeão." É assim que Paulo Roberto, então locutor da Rádio Nacional, faz a introdução ao 10 polegadas originalmente lançado em 1957 pela Todamérica. Cada faixa é prefaciada por um texto curto (meio romanceado, como convinha na época), lido pelo locutor. Em seguida, Volta Sêca entoa as melodias quase à capela e a orquestração irrompe geralmente no compasso do baião, com acordeom e zabumba.
Os épicos da saga de Lampeão, Mulher Rendeira (com os versos originais, utilizados no ataque do bando à cidade de Mossoró), Acorda Maria Bonita (a cantiga de despertar do grupo) e mais a lírica Se Eu Soubesse ("que chorando/ empatava sua viagem/ meus olhos eram dois rios/ que não te davam passagem") entram no precioso registro, onde todas as composições são atribuídas exclusivamente a Volta Sêca. Não falta o desafio Sabino e Lampeão , no qual o bando, que chegou a somar 240 integrantes, cutuca o chefe com vara curta, e lamentos quase parnasianos como Escuta Donzela (encordoado por um violão na linha de Dorival Caymmi). Cangaceiro a partir dos 11 anos, prisioneiro da polícia por outros 20, Volta Sêca mostra seu talento de voz trêmula nas queixas de Eu Não Pensei Tão Criança ("na flor da infância/ padecesse assim"). O baião Ia Pra Missa decifra o código dos embarcados para a guerra contra os "macacos" da força repressora. E A Laranjeira transborda de requinte poético, ao comparar o amor não correspondido ao bacutinho, a flor que fenece e morre sem dar frutos.Uma pequena jóia histórica de curta duração. Além disso, recomendo, para quem quer saber um pouco mais, o texto do jornalista Gilfransico, do Jornal da Cidade, clicando aqui.

Faixas:

Volta Sêca - As Cantigas de Lampeão

The Jimi Hendrix Experience - Axis: Bold as Love (1967)

2009-11-27T22:12:00.004-02:00

Indo na onda do último RoNcA-RoNcA e também aproveitando que hoje Ele faria 67 anos, escolhi Axis: Bold As Love para reverencia-lo no dia de hoje. Também é questão de sorte, já que este é o único dos 3 álbuns de estúdio do Jimi Hendrix Experience que faltava aqui no blog.
O segundo álbum do Jimi Hendrix Experience segue o disco de estréia, Are You Experienced?, também de 67, com músicas igualmente poderosas e também uma produção ainda melhor que no álbum de estréia. Mitch Mitchell e Noel Redding estão mais à vontade tocando ainda melhor, levando seus instrumentos a novos patamares dentro do rock e ajudando Hendrix a tornar sua guitarra ainda mis poderosa.
Hendrix já dava sinais de sua famosa mania de perfeição, o disco foi todo gravado e produzido sempre tendo em vista o melhor resultado final possível, o que dificultou levar várias músicas deste disco para o palco usando apenas um trio. As músicas que a banda tocava com maior frequência era "Spanish Castle Magic" e "Little Wing". O fato curioso nisso tudo é que Hendrix esqueceu num táxi as fitas já masterizadas do lado 1, elas nunca mais foram encontradas, e a produção teve de ser totalmente refeita.
Não vou me alongar na descrição de efeitos de guitarra, solos de bateria ou viradas de baixo espetaculares. A primeira faixa resume bem o que o ouvinte vai encarar nos próximos minutos, "EXP" começa com notas do baixo que correspondem à introdução de "Stone Free", e revela-se uma imitação de uma transmissão de rádio. Mitch Mitchell é o radialista que recebe no programa "Mr. Paul Caruso" interpretado por Hendrix para falar sobre OVNI's. Quando de repente, "Mr. Caruso" é abruptamente abduzido por alienígenas enquanto o radialista incrédulo apenas diz:" - But, but, but...I don't believe it". Fico imaginando as pessoas cheias de LSD em pleno 1967, colocando a agulha no LP e dando de cara com essa introdução e com um disco altamente referente à experiencia que eles também estavam tendo.
Lançado no dia 1 de Dezembro de 67 na Inglaterra, Axis decretou o ano de 1967 como o ano da psicodelia e o Jimi Hendrix Experience foi um dos principais representantes do rock psicodélico.

Banda:

Jimi Hendrix

Noel Redding

Mitch Mitchell

Faixas:

1. EXP

2. Up From The Skies

3. Spanish Castle Magic

4. Wait Until Tomorrow

5. Ain't No Telling

6. Little Wing

7. If 6 Was 9

8. You Got Me Floatin'

9. Castles Made Of Sand

10. She's So Fine

11. One Rainy Wish

12. Little Miss Lover

13. Bold As Love

The Jimi Hendrix Experience - Axis: Bold as Love

Jorge Ben - Jorge Ben (1969)

2009-11-27T21:30:00.005-02:00

Apesar das diferenças clubísticas irrevogáveis com Jorge Ben, sou obrigado a me render à beleza desta capa, uma das mais belas da música assinada pelo artisto plástico Albery. 1969 foi um ano e tanto para Ben, que preferiu continuar na mesma linha de composição, sem envolver-se com críticas ao governo. Como ficou sem lançar disco por dois anos até esse, viu de camarote o surgimento e o impacto da Tropicália na cena musical brasileira. Além de manter a melodia e os arranjos na mesma linha dos disco anteriores, Jorge Ben teve duas faixas produzidas pela lenda tropicalista Rogério Duprat: "Descobri que sou um Anjo" e "Barbarella".

Apesar do sucesso instantâneo de algumas músicas lançadas anteriormente à 69, é a primeira vez que Jorge Ben consegue implacar um disco que é aclamado de cabo a rabo. Esse álbum já nasceu clássico, pois é nele que estão as músicas: "País Tropical", "Cadê Tereza?", "Take it Easy My Brother Charles" que tem um dos melhores arranjos que já ouvi na vida, "Que Pena" e "Charles Anjo 45" e ainda "Quem foi que roubou a sopeira de porcelana chinesa que a vovó ganhou da Baronesa?" que é genial.

Jorge acompanhado pelo Trio Mocotó e Os Originais Do Samba e quase todo arranjado por José Briamonte que foi extremamente feliz em todas as músicas em que pôs a mão.

Faixas:

01. Criola

02. Domingas

03. Cadê Tereza

04. Barbarella

05. País Tropical

06. Take It Easy My Brother Charles

07. Descobri Que Sou Um Anjo

08. Bebete Vãobora

09. Quem Foi Que Roubou a Sopeira de Porcelana Chinesa Que a Vovó Ganhou da Baronesa

10. Que Pena

11. Charles 45

Jorge Ben - Jorge Ben

Moreira, Bezerra e Dicró - Os 3 Malandros In Concert (1995)

2009-11-27T19:10:00.004-02:00

Os três maiores representantes da malandragem carioca juntos no mesmo disco!! O álbum é um retrato da carreira de cada um, desde a capa e do título as brincadeiras, sátiras e gozações já surgem. A referência clara e genial aos Três Tenores serve de pano de fundo como se o trio malandro estivesse num "Recital" em pleno Theatro Municipal do Rio de Janeiro, que é outra grande gozação do disco. Um trio de sambistas e malandros da baixada fluminense dificilmente teria uma noite na programação elitizada do teatro.
Uma característica genial dos três é a capacidade de transformar situações corriqueiras, sem muita importância ou praticamente irrelevantes, em rimas, estrofes, poemas, letras fantásticas. Aliás, essa é uma característica que acompanha os principais sambistas de diferentes gerações ou classe social, cada um ao seu modo. Enquanto Vinícius de Moraes e Tom Jobim escreviam sobre a Garota de Ipanema indo para a praia, Dicró escreve sobre as "nêgas" da baixada, dos políticos pilantras e situações pitorescas em botecos.
Como informações sobre os músicos que tocam no disco são impossíveis de ter sem o encarte do disco, se bobiar nem ali encontra-se, não tenho certeza de quem toca, nem se é a mesma banda em todas as faixas. Apesar disso os disco traz o samba de raiz, sem muitas experimentações ou variações rítmicas, seu grande destaque são as letras e as interpretações dos três astros da malandragem carioca.

Faixas:

1- O RECITAL

2- OS TRÊS PAGODEIROS DO RIO

3- ÓPERA DO MORRO

4- MALANDROS IN CONCERT

5- RESSUSCITA ELE

6- CHAVE DE CADEIA

7- MALANDRO NÃO VACILA

8- O POLÍTICO

9- NA SUBIDA DO MORRO

10- DAVA DOIS

11- LUGAR MACABRO

12- JOGANDO COM O CAPETA

13- RUA DA AMARGURA

Moreira, Bezerra e Dicró - Os 3 Malandros In Concert

Arctic Monkeys - Humbug (2009)

2009-11-21T23:37:00.005-02:00

O terceiro disco do Arctic Monkeys provocou reações tão intensas quanto as mudanças que a banda promoveu em sua sonoridade. Junto com o produtor Josh Homme, que teve uma grande influência no som da banda, os macaquinhos do ártico levam a empreitada para o lado da experimentação, com melodias e arranjos mais sofiticados, solos de guitarra e a já conhecida qualidade nas letras. Por mais que eu evite dar a opinião direta, essas foram as características que me levaram a gostar do disco.
Gravando grande parte das faixas no famoso estúdio Rancho la Luna, num deserto na Califórnia, a banda aproveitou bastante a experiência do produtor, tanto na mixagem quanto na gravação, pricipalmente das guitarras. "Crying Lightning" e "Dangerous Animals", com destaque para a primeira, são as faixas do álbum que melhor mostram todas as mudanças do som da banda.
"My Propeller", música que abre o álbum, é o recado direto do que a banda quer ser e do que ela já é, o impacto dela para quem ouve o disco desavisado e recordando-se dos anteriores é enorme.
"Cornerstone" é a música que mais lembra os primeiros disco, gravada após as sessões do deserto, foi gravada e produzida em Nova Iorque, nos Electric Lady Studios, o estúdio de Jimi Hendrix. Além de "Cornerstone", "My Propeller" e "Secret Door" também foram gravadas lá.
Individualmente, cada um se esforça ao máximo para levar as novidades do estúdio para o palco, com destaque para o baterista Matt Helders, que faz um excelente papel no álbum inteiro, principalmente em "Pretty Visitors" e "Dance Little Liar".
A crítica especializada reagiu bem ao disco, a Uncut, uma das principais revista de música do planeta, deu 4 estrelas num máximo de 5, e o disco faz valer essa "nota". A grande divisão de opiniões foi dentre os fãs mas não impediu o álbum de atingir o topo da parada inglesa.

Faixas:

01 My Propeller

02 Crying Lightning

03 Dangerous Animals

04 Secret Door

05 Potion Approaching

06 Fire And The Thud

07 Cornerstone

08 Dance Little Liar

09 Pretty Visitors

10 The Jeweller's Hands

Banda:

Alex Turner - vocals, guitar, keyboard on "Pretty Visitors"
Jamie Cook - guitar
Nick O'Malley - bass, vocals
Matt Helders - drums, vocals
Josh Homme - vocals on "Dangerous Animals", "Potion Approaching" and "I Haven't Got My Strange", glockenspiel on "The Jeweller's Hands"
John Ashton - keyboards, vocals
Alison Mosshart - guest vocals on "Fire and the Thud"
All tracks produced by Josh Homme, except tracks 1, 4 and 7, produced by James Ford. All lyrics by Alex Turner.

The Doors - The Doors (1967)

2009-11-20T12:20:00.003-02:00

Seguindo na minha teoria de que na música tudo foi inventado nos anos 60, The Doors são os pais do rock progressivo. Gênero difundido e explorado à exaustão por bandas como Yes, Pink Floyd e King Crimson, por exemplo, teve no Doors sua pedra fundamental. O fato da banda não ter baixo em várias faixas dá aos teclados a base da melodia, o que é uma característica clara das bandas progressivas.
O Doors foi uma banda que já estreiou no auge de sua sonoridade. A banda já tocava regularmente em pequenas casas de shows em Los Angeles, o mais famoso deles é o Wiskey A Go Go, o que deixou o som da banda ainda mais afiado. Com todas as composições já prontas, era só entrar no estúdio e gravar o que certamente tornaria-se um grande sucesso. E realmente foi assim, o disco atingiu o segundo lugar nas paradas estadunidenses e o single "Light My Fire" figurou no topo da lista das mais ouvidas nas principais rádios dos EUA.
Poucas bandas lançaram um disco de estréia tão extraordinário, o Doors é uma banda que já começou no auge. Depois lançou vários discos tão bons quanto ou inferiores a este. Com a presença impactante de Jim Morrison a frente do grupo, um dos melhores vocalistas do Rock'N'Roll, a banda atingiu logo grande popularidade nos EUA e foi convidado para apresentar-se no programa de TV Ed Sullivan Show, uma das maiores audências da TV estadunidense na época. Quando, no camarim, pediram para mudar a palavra "higher", que significa "mais chapado", em "Light My Fire" a banda concordou, mas no ato Jim Morrison encheu a boca e desferiu o petardo. Era a primeira grande confusão que a banda aprontava das muitas que estavam por vir.
O disco que abriu o caminho do Doors à uma das carreiras mais bem sucedidas do Rock!

Faixas:

Lado 1

"Break On Through (To the Other Side)" – 2:29
"Soul Kitchen" – 3:35
"The Crystal Ship" – 2:34
"Twentieth Century Fox" – 2:33
"Alabama Song (Whisky Bar)" (Bertolt Brecht, Kurt Weill) – 3:20
"Light My Fire" – 7:06

Lado 2

"Back Door Man" (Willie Dixon) – 3:34
"I Looked at You" – 2:22
"End of the Night" – 2:52
"Take It as It Comes" – 2:17
"The End" – 11:41

Banda:

Robby Krieger – guitar, backing vocals
Jim Morrison – vocals
Ray Manzarek – organ, piano, keyboards, keyboard bass ("Break On Through", "The Crystal Ship", "Twentieth Century Fox", "Alabama Song (Whisky Bar)", "Light My Fire", "End of the Night", "The End"), backing vocals
John Densmore – drums
Larry Knechtel (Uncredited) – bass ("Soul Kitchen", "Twentieth Century Fox", "Back Door Man", "I Looked At You", "Take It As It Comes")

The Doors - The Doors

Tropicália ou Panis Et Circenses (1968)

2009-11-09T23:41:00.008-02:00

Hoje eu finalmente entendi o Tropicalismo do ponto de vista cultural, porque do musical eu já tinha entendido antes. O Tropicalismo é o mais importante e talvez o único movimento de contra-cultura brasileiro, e por ser um movimento desse tipo não foi devidamente entendido e difundido em sua época. O Brasil vivia dias em que as pessoas levavam todas as discussões políticas, culturais, comportamentais ao extremo: ou você era a favor do governo e demonstrava isso de uma maneira estabelecida ou era contra e também demonstrava isso de uma maneira igual. Não existia espaço para o meio termo, ou seja, não havia lugar para o Tropicalismo. Finalmente compreendi porque Caetano e Gil foram presos e exilados. Artistas como Chico Buarque, Geraldo Vandré e outros que criticavam a ditadura de forma mais aberta e veemente, não foram tão perseguidos e censurados quanto Caetano e Gil, os principais porta-vozes do movimento tropicalista. Os militares viam na Tropicália um movimento perigoso pelo fato de representarem uma contra-cultura, uma libertação do contrato-social tradicional estipulado pela sociedade. Eles representavam uma ameaça maior para o sistema vigente na época, que os artistas mais incisivos nas críticas. Além do fato, que a ditadura não queria passar uma imagem repressora até o AI-5, por isso não ia atrás de gente como Vandré e Buarque, o alarde seria muito maior. Mas com Gil e Caetano, eles foram implacáveis, prendendo-os e depois exilando-os na Europa.
Por outro lado, a esquerda e a juventude brasileira da época, não aceitava nenhuma manifestação de pessoas tidas como contrárias à ditadura que não fossem críticas severas, abertas e diretas. Esse é o motivo que eu encotrei para justificar a famosa vaia recebida por Caetano Veloso no FIC de 1968.

Musicalmente, o disco é um resumo do que o movimento propunha. A beleza e a suavidade da Bossa-nova era representada por Nara Leão; O poder, a vibração e a energia do Rock vinha com Os Mutantes. Gal Costa empresta sua voz e interpretação inconfundíveis e inigualáveis. Tom Zé era o sujeito que não entendia nada de música e que era tão genial quanto os outros graças às letras e melodias precisas. Caetano e Gil eram duas das cabeças mais privilegiadas do movimento, com letras e arranjos fantásticos. Torquato Neto era o braço poético do grupo, enquanto o maestro Rogério Duprat trazia sua formação clássica para subverter tanto a música clássica quanto a música popular nos arranjos que se tornaram um marco na história da música brasileira. O disco resume o estilo musical que o movimento propôs, a mistura de vários estilos típicamente brasileiros. Seja da Bahia, do Rio de Janeiro, de São Paulo ou do Rio Grande do Sul: a Tropicália une o Brasil e propõe que essa união poderia tornar-se a nova cultura brasileira. Por isso era um movimento de contra-cultura, e também por isso não foi entendida pela juventude da época e logo vista como uma grande ameaça aos olhos dos governantes golpistas. A Tropicália está 40 anos atrás e 40 anos à frente.

Faixas:

1. "Miserere Nóbis" - Gilberto Gil

2. "Coracão Materno" - Caetano Veloso

3. "Panis et Circenses" - Os Mutantes

4. "Lindonéia" - Nara Leão

5. "Parque Industrial" - Gilberto Gil/Caetano Veloso/Gal Costa

6. "Geléia Geral" - Gilberto Gil

7. "Baby" - Gal Costa/Caetano Veloso

8. "Três Caravelas" - Caetano Veloso/Gilberto Gil

9. "Enquanto Seu Lobo Nao Vem" - Caetano Veloso

10. "Mamãe, Coragem" - Gal Costa

11. "Bat Macumba" - Gilberto Gil

12. "Hindo Do Senhor Do Bonfim" - Caetano Veloso/Gilberto Gil/Gal Costa

Caetano Veloso & Banda Black Rio - Bicho Baile Show (2002)

2009-11-04T23:50:00.005-02:00

No final da década de 70, a black music era o som do Rio de Janeiro e por tabela tinha grande receptividade do resto do país, uma das melhores bandas no estilo era a famosa Banda Black Rio. Como toda a novidade, a black music teve a antipatia de muitos músicos já consagrados na música brasileira mas também contou com o apoio de nomes importantes. Quando Caetano Veloso convidou a Banda Black Rio para acompanha-lo para uma turnê por algumas capitais brasileiras. Estava decretado a principal parceria entre o que havia de melhor na black music brasileira com um dos principais artistas brasileiros de todos os tempos.
Trazendo novos arranjos à clássicos como Odara, London London e Alegria Alegria, a banda dá à música de Caetano uma nova vida, que após a turnê, manteve-se longe dos ouvidos do público até ser restourado e gravado em CD para fazer parte de uma caixa com todos os disco da carreira de Caetano.
Gravado em 1978 no teatro Carlos Gomes, que fica na praça Tiradentes, centro do Rio, esse disco quase não é visto de forma avulsa e para comprar a tal caixa você precisa ter algo em torno de mil pratas. Além das músicas de Caetano, o disco traz 3 faixas do lendário álbum de estréia da banda, o Maria Fumaça. É a única chance de ouvir a banda ao vivo num disco, e ainda interpretando suas próprias músicas, até onde eu sei. Se alguém souber um disco ao vivo da Banda Black Rio escreve nos comentários!

Faxias:

1.Intro/Odara

2.Odara

3.Tigresa

4.London, London

5.Na Baixa do Sapateiro

6.Leblon Via Vaz Lobo

7.Maria Fumaça

8.Two Naira Fifty Kobo

9.Gente

10.Alegria, Alegria

11.Baião

12.Caminho Da Roça

13.Qualquer Coisa

14.Chuva, Suor E Cerveja

Caetano Veloso & Banda Black Rio - Bicho Baile Show

Small Faces - Small Faces (1966)

2009-11-01T21:39:00.003-02:00

Disco de estréia de uma das melhores bandas britânicas dos anos 60, esse Lp lançado pela Decca levou o Small Faces, do genial Ronnie Lane, a figurar com destaque nas paradas da época.
Formado em 64, a banda logo conseguiu evidência na cena Mod, movimento de contra-cultura que estava no auge na Inglaterra, com 'hits' como "Whatcha Gonna Do About It" e versões de clássicos do R&B americano que faziam muito sucesso entre os mods. Outro atrativo da banda era o próprio nome, "Face" era uma gíria usada para descrever um mod estiloso e respeitado. O nome surgiu por acaso numa conversa com uma amiga da banda, quando ela disse que eles eram todos "small faces".
Além de Lane, que tocava baixo e fazia a segunda voz, a banda contava com Steve Marriot, guitarrista e vocalista, que depois de sua saída da banda, formou o Humble Pie. Para a bateria o escolhido foi Kenny Jones, que anos mais tarde substituiria o insubstituível Keith Moon, no Who, outra banda que teve forte ligação com o movimento Mod. O primeiro tecladista da banda foi Jimmy Wiston, filho do dono da loja de instrumentos onde os membros da banda se conheceram, pouco tempo depois Jimmy foi substituido por Ian McLagan, quem gravou a maioria das faixas e aparece na capa desde álbum.
Esse disco é o primeiro e único lançado pela Decca Records, além do primeiro 'hit' da banda ("Whatcha Gonna Do About It") também traz "Shake" um versão da música de Sam Cooke. "Sha-la-la-la-lee", outro single anterior de muito sucesso, é a faixa que encerra o disco com chave de ouro. Apesar disso, o grande destaque do disco é "You Need Loving", inspirada na música de Willie Dixon, gravada em 1962 por Muddy Waters como "You Need Love". A gravação do Small Faces, serviu de base para "Whole Lotta Love" do Led Zeppelin em seu segundo disco.
Um álbum de estréia à altura para uma banda que tornou-se influência para várias outras grandes bandas posteriores.

Faixas:

"Shake" (Sam Cooke) 2:55
"Come on Children" (Jones/Lane/Marriott/Winston) 4:20
"You'd Better Believe It" (Lynch/Ragovoy) 2:19
"It's Too Late" (Jones/Lane/Marriott/Winston) 2:37
"One Night Stand" (Lane/Marriott) 1:50
"Whatcha Gonna Do About It" (Potter/Samwell) 1:59

"Sorry She's Mine" (Lynch) 2:48
"Own Up Time" (Jones/Lane/Marriott/McLagan) 1:47
"You Need Loving" (Lane/Marriott) 3:59
"Don't Stop What You're Doing" (Jones/Lane/Marriott/McLagan) 1:55
"E Too D" (Lane/Marriott) 3:02
"Sha-La-La-La-Lee" (Lynch/Shuman) 2:56

Formação:

Steve Marriott - vocals, guitar
Ronnie Lane - backing vocals, bass guitar
Kenney Jones - drums
Ian McLagan - keyboards
Jimmy Winston - vocals, keyboards

Small Faces - Small Faces

Crosby, Stills, Nash & Young - Déjà Vu (1970)

2009-10-30T23:14:00.004-02:00

A principal influência para o som do Fleet Foxes, "Déjà Vu" é o primeiro disco da banda enquanto um quarteto. Em 69, o CSN lançou um excelente disco de estréia e logo foi rotulado como um supergrupo, já que era formado por David Crosby, ex-membro do Byrds, Stephen Stills, ex-Buffalo Springfield e Graham Nash, ex-Hollies. Já em 70, o supergrupo ficou ainda melhor com a entrada de Neil Young, também ex-Buffalo Springfield, dando uma guitarra a mais à banda.
Apesar de não tocar em todas as faixas, a marca de Young é notável. Uma guitarra bem mais agressiva, coisa pouco comum no country rock e que ajudou a tornar o disco e grupo inovadores do estilo. Para completar a banda, foram recrutados Dallas Taylor, para a bateria, e Greg Reeves, para o baixo.
A única composição que não partiu da banda foi "Woodstock" de Joni Mitchell, uma canção que relembra o festival do ano anterior. A faixa que abre o disco, "Carry On" de Stills, é uma das que não contam com Young. A guitarra é resposabilidade do próprio Stills que apresenta o pedal wha-wha ao contry rock de uma forma sublime. "Teach Your Children" virou um hino da contra-cultura americana, a letra escrita por Nash um ano antes, falando da difícil relação com o pai. Foi adotado pela contra-cultura como uma espécie de recado à sociedade estadunidense.
Em algumas faixas, a banda conta com a participação de Jerry Garcia, do Greatful Dead, tocando slide guitar. Outro que dá as caras é John Sebastian, do The Lovin' Spoonfull.
"Déjà Vu", além de ser um marco para o contry rock e para o folk do ponto de vista da harmonia, dos arranjos e da maneira de tocar, é um marco para a sociedade estadunidense, com letras engajadas politicamente, o disco retrata o sentimento por paz e amor de toda uma geração daquele país.

Faixas:

Lado 1

"Carry On" (Stephen Stills) – 4:26
Stills - guitars, organ, bass, lead vocal; David Crosby - guitar, vocal; Graham Nash - guitar, vocal; Dallas Taylor - drums, percussion
"Teach Your Children" (Nash) – 2:53
Nash - guitar, lead vocal; Stills - guitar, bass, vocal; Crosby - vocal; Jerry Garcia - pedal steel guitar; Taylor - tambourine
"Almost Cut My Hair" (Crosby) – 4:31
Crosby - electric guitar, vocal; Stills - electric guitar; Nash - organ; Neil Young - electric guitar; Greg Reeves - bass; Taylor - drums
"Helpless" (Young) – 3:33
Young - guitar, harmonica, lead vocal; Stills - electric guitar, piano, vocal; Nash - guitar, vocal; Crosby - vocal; Reeves - bass; Taylor - drums
"Woodstock" (Joni Mitchell) – 3:54
Stills - electric guitar, organ, lead vocal; Nash - electric guitar, vocal; Crosby - vocal; Young - electric guitar; Reeves - bass; Taylor - drums

Lado 2

"Déjà Vu" (Crosby) – 4:12
Crosby - guitar, lead vocal; Stills - electric guitar, vocal; Nash - guitar, piano, vocal; John Sebastian - harmonica; Reeves - bass; Taylor - drums
"Our House" (Nash) – 2:59
Nash - piano, harpsichord, lead vocal; Stills - bass, vocal; Crosby - vocal; Taylor - drums
"4 + 20" (Stills) – 2:04
Stills - guitar, vocal
"Country Girl" ("Whiskey Boot Hill," "Down, Down, Down," "Country Girl (I Think You're Pretty)") (Young) – 5:11
Young - guitar, organ, harmonica, lead vocal; Stills - guitar, vocal; Crosby - guitar, vocal; Nash - guitar, vocal; Reeves - bass; Taylor - drums
"Everybody I Love You" (Stills, Young) – 2:21
Stills - electric guitar, organ, vocal; Crosby - electric guitar, vocal; Nash - vocal; Young - electric guitar; Reeves - bass; Taylor - drums

Formação:

David Crosby : guitars, vocals
Stephen Stills : guitars, bass guitar, keyboards, vocals
Graham Nash: guitars, keyboards, vocals
Neil Young: guitars, keyboards, harmonica, vocals

Participações:

Greg Reeves: bass guitar
Dallas Taylor: drums, percussion
Jerry Garcia: pedal steel guitar
John Sebastian: harmonica

Crosby, Stills, Nash & Young - Déjà Vu

Arthur Verocai - Arthur Verocai (1972)

2009-10-28T21:10:00.004-02:00

Taí um dos discos brasileiros mais cultuados mundo à fora. Não chega a ser tudo isso que comentam por aí, é apenas mais um bom disco feito por aqui, a grande diferença é que ele é uma raridade e os gringos descobriram antes de nós.
Misturando elementos da Bossa Nova ao Soul e ao Funk, o disco traz mescla faixas instrumentais, muito boas, com algumas outras com letras nem tão inspiradas. Teria sido melhor deixar o disco inteiro instrumental. A marca inconfundível do disco são os arranjos, principalmente do naipe de metais. Além de fazer o arranjo e cantar, é Verocai quem toca um violão marcante, uma assinatura que deixa o disco um pouco mais original.
Uma das melhores faixas do disco é "Presente Grego", que não é instrumental, mas é justamente a parte instrumental dela que resume o que é o disco. O naipe de metais, captaneado pelo sax da lenda Oberdan Magalhães, dá um show junto com o brilhante baterista auto-didata Robertinho Silva e com a guitarra cheio de efeitos caracteristicos do Funk de Helio Delmiro.
Para amanizar que mnão tem mil dólares para comprar o LP original, a Luv 'N Haight reeditou o disco e vende cada LP por 16 dólares, bem melhor! O disco original foi lançado pela Continental, com poucas tiragens e não se preocupou em fazer outra edição do disco, com isso, esse disco que é o único lançado por Verocai, tornou-se uma raridade e, infelizmente, conhecido apenas por gente que vai um pouco mais fundo na música brasileira.

Músicos:

Helio Delmiro(guitarra)Robertinho Silva, Paschoal Meirelles(bateria)Luiz Alves(baixo)Aloysio Aguiar(piano)Nivaldo Ornellas, Paulo Moura(sax)Oberdan(sax, flauta)Edson Maciel(trombone)Celia, D. Carlos, Gilda Horta, Jose Carlos, Luiz Carlos, Paulinho, Toninho Café, Toninho Horta(vocais)Arthur Verocai(voz, violão)

Faixas:

1. Caboclo

2. Pelas Sombras

3. Sylvia

4. Presente Grego

5. Dedicado a Ela

6. Seriado

7. Na Boca do Sol

8. Velho Parente

9. O Mapa

10. Karina [Domingo no Grajau]

Arthur Verocai - Arthur Verocai

Rogério Skylab - Skylab II (2001)

2009-10-24T23:32:00.004-02:00

O Túlio Brasil, do La Cumbuca, tava me devendo um texto sobre um disco de sua predileção há tempos. Finalmente, este blog tem o privilégio de receber o mais eclético e patriota cidadão de Vaz Lobo!!

2001. Ano que inspirou Kubrick, primeiras músicas do Franz Ferdinand, meus nove anos e um misto de lembranças confusas. Caindo no meio disso tudo a mais perfeita forma de expressão de um estranhão que já aparecera até então em terras brasileiras.
Skylab 2 é o registro ao vivo de um artista inquieto e incompreendido. Sem censura ele fala de tudo que o atordoa, sem medo de parecer engraçado ou mentiroso ele entrega sua realidade fantasiosa à quem quiser ouvir.
Ainda com poucos discos lançados (apenas 3, hoje ele tem mais de 10) não é qualquer um que consegue chegar num produto final tão bom e tão cedo. É improvável que, mesmo que fique horrizado, você não tenha vontade de cantar o refrão de 'Convento das Carmelitas'.
Por mais que você ache tudo fora de forma, só veja absurdos jogados numa canção, há sempre um momento que a música do Skylab é convinente. Não espero que você compactue com o que é dito em 'Moto Serra', mas num mundo de relações tão desgastantes é bom ouvir um suspiro desses. Se não for por ódio, vale pelas risadas possiveis de tirar dali - mesmo não sendo esse o objetivo do disco!
Felizmente, tantas características estranhas acabaram caindo em boas mãos. A banda que acompanha os devaneios do figura defeca (não achei verbo mais adequado, isso foi um elogio) perfeitamente a melodia e o ritmo necessário para que a obra flua até o cu ou boca, sei lá, é tudo a mesma coisa.
Tanto é, que os cinco paragrafos que antecedem este podem ser completamente descartados. Você só precisa saber disso: Essa porra é foda!

Faixas:

1 - Metrô.

2 - Jesus.

3 - Carne Humana.

4 - Moto-Serra.

5 - Naquela Noite.

6 - Convento das Carmelitas.

7 - Derrame.

8 - Urubu.

9 - Matadouro das Almas.

10 - Sensações.

11 - Música Suave.

12 - Ato Falho.

13 - Carrocinha de Cachorro Quente.

14 - Privada Entupida.

15 - Funérea. 16 - Cú e Boca.

17 - Samba.

18 - Matador de Passarinho.

Banda:

Rogério Skylab - vocal

Wlad - baixo

Alexandre BG - guitarra

Alexandre Guichard - violão

Marcelo B - bateria
Luis Lancaster do Zumbi do Mato na faixa "Samba"

Rogério Skylab - Skylab II

Return To Forever - Romantic Warrior (1976)

2009-10-24T21:30:00.003-02:00

Formado em 1971 por Chick Corea, vários músicos passaram pela banda nos discos anteriores, mas foi nesse, o sexto, que o grupo alcançou sua formação melhor e mais comentada formação. Além do próprio Corea, nos teclados, o disco ainda traz Stanley Clarke no baixo, Lenny White na bateria, White foi o baterista no clássico absoluto do Jazz "Bitches Brew" de Miles Davis. Fechando a turma, Al di Meola com guitarra e violão.
O álbum se revela uma tentativa muito bem sucedida em levar o rock progressivo ao Jazz, com efeitos de guitarras elaborados, solos majestrais de baixo, tudo isso com a levada jazzística na bateria. Aliando velocidade a técnica, os integrantes do quarteto esbanjam talento com seus instrumentos.
O tema do disco é a idade média, clara referência ao trabalho de Rick Wakeman, ex-tecladista do "Yes", que também fazia deste tema uma constante em seu trabalho. Como o disco é todo instrumental, a Idade Média se restringe ao título das faixas e à belíssima capa.

Faixas:

"Medieval Overture" (Corea) – 5:14
"Sorceress" (White) – 7:34
"The Romantic Warrior" (Corea) – 10:52
"Majestic Dance" (Di Meola) – 5:01
"The Magician" (Clarke) – 5:29
"Duel of the Jester and the Tyrant" (Part I & Part II) (Corea) – 11:26

Return To Forever - Romantic Warrior

Wolfmother - Wolfmother (2005)

2009-10-17T21:07:00.004-03:00

Lançado em 2005, na Austrália, o álbum de estréia da banda chegou às prateleiras internacionais apenas em 2006, com uma faixa a mais, "Love Train". Como um power-trio dos anos 60, tocando o hard-rock caractrístico dos anos 70, a banda australiana não traz nenhuma inovação ao estilo mas é, certamente, uma boa pedida aos fãs de rock que estão sempre à espera de alguma novidade interessante.
Formado em 2000, a banda vinha "tocando por aí no anonimato", segundo seus integrantes. Em 2005 apenas, veio a chance de gravar um disco. Quando finalizado, o disco emplacou vários 'hits' nas rádios das principais cidades da Austrália. Além de ter sido o álbum australiano do ano e ter chegado por 5 vezes ao disco de platina.
A comparação com bandas como Led Zeppelin, Black Sabbath e Blue Cheer é inevitável. Melhor tocar bem a ser original, talvez pensem os integrantes da banda, mas originalidade nos dias de hoje é fundamental. Para mim, uma banda formada hoje em dia tocar como eles tocam e fazer sucesso é uma tremenda surpresa e das mais agradáveis.
Apesar do reconhecimento, a banda praticamente se dissolveu no final do ano passado, restando apenas o guitarrista e vocalista Andrew Stockdawle. O baixista Chris Ross e o baterista Myles Heskett deixaram a banda e isso provavelmente vai afetar consideravelmente o som da banda. No início de 2009, Stockdawle recrutou mais três músicos e vão lançar no fim desse mês o segundo álbum da banda, "Cosmic Egg", onde poderemos ver o quão diferente a banda irá se mostrar.

Faixas:

"Dimension" – 4:21
"White Unicorn" – 5:04
"Woman" – 2:56
"Where Eagles Have Been" – 5:33
"Apple Tree" – 3:30
"Joker & the Thief" – 4:40
"Colossal" – 5:04
"Mind's Eye" – 4:54
"Pyramid" – 4:28
"Witchcraft" – 3:25
"Tales" – 3:39
"Love Train" – 3:03
"Vagabond" – 3:50

(versão internacional)

Membros:

Wolfmother
Andrew Stockdale – vocals, guitars
Chris Ross – bass, keyboards
Myles Heskett – drums

Wolfmother - Wolfmother

Fela Kuti & Africa '70 - Live! With Ginger Baker (1971)

2009-10-15T19:16:00.004-03:00

Na onda do Fela-Day, hoje dia 15 de outubro de 2009, estou postando o único disco Dele que eu já ouvi todo (preciso escutar mais Fela). Gravado ao vivo com o ex-baterista do Cream e a mais célebre banda já montada pelo Fela Kuti, o Africa '70.
Fela Kuti, foi o fundador do Afro-beat, estilo difundido nos anos 60 quando Kuti experimentou com muitas formas diferentes de música contemporânea da época. Predominantes na sua música são harmonias e ritmos nativos Africanos, tendo diversos elementos e combinando, modernização e improvisando sobre eles. Temas políticos são essenciais para o gênero, já que a crítica social é utilizada para preparar o caminho para a mudança social, segundo Fela.
O Afrobeat teve profundas influencias em importantes produtores contemporâneos como Brian Eno, que creditaram Fela Kuti como uma influência. Sem contar que é a razão de existir de uma das melhores banda do planeta, a Antibalas Afrobeat Ochestra.
Além de Ginger Baker, também aparece em todas as faixas Tony Allen na baterista. A dupla é acompanhada por mais 5 músicos na percussão. Além da presença marcante do "batuque", a big band ainda traz um sensacional naipe de matais e ainda guitarra e baixo bastante característicos do Afrobeat.

Formação:

Voz, órgão e sax tenor: Fela Ransome-Kuti

Trumpete primeiro (solo): Tunde Williams

Trumpete segundo: Eddie Faychum

Sax tenor (solos): Igo Chiko

Sax barítono: Lekan Animashaun

Guitarra: Peter Animashaun

Baixo: Maurice Ekpo

Bateria: Tony Allen

Bateria: Ginger Baker

Conga primeira: Henry Koffi

Conga segunda: Friday Jumbo

Conga terceira: Akwesi Korranting

Sticks: Tony Abayomi

Shekere: Isaac Olaleye

Faixas:

1- Let’s start – Fela Kuti e Ginger Baker

2- Black man’s cry – Fela Kuti e Ginger Baker

3- Ye ye de smell – Fela Kuti e Ginger Baker

4- Egbe mi o (Carry me I want to die) – Fela Kuti e Ginger Baker

5- Drum solo (Ginger Baker & Tony Allen) - Fela Kuti e Ginger Baker

Fela Kuti & Africa '70 - Live! With Ginger Baker